Cinerama

Bellezas coreanas masculinas

2009-11-18T17:11:00.000-08:00

Señores, el cine coreano se vino con todo al Occidente, con todo tipo de producciones, todos los géneros, aunque hay que hacer algunas aclaraciones. El nuevo cine coreano tuvo su época luego de 1945 pero renació recién en 1997, donde grandes compañías fílmicas como la Taewon, CJ Entertainment y CS Cinema, se convirtieron en las nuevas máquinas de hacer sueños. Los temas abordados son variados pero domina el melodrama como género, y luego una variante del "wuxia" que vino de China, al que se le denominó "wuxia ecléctico" puesto que mezcla diferentes factores dentro de lo que son los componentes clásicos del género tradicional chino. Así, películas en cantidades increíbles producidas anualmente se están disparando hacia los mercados de Europa y América, provocando un impacto favorable en la audiencia y rompiendo taquillas.
Se puede preguntar ¿Que está pasando con este fenómeno? Y es muy difícil la respuesta, algunos alegan que Hollywood está gastado, que no hay imaginación, los reiterados temas en los que cae (superhéroes, remakes de remakes, sequels y prequels de cualquier cosa que les venga a mano) hace vislumbrar poca luz en lo que fue la Meca del Cine. Ahora todo se volcó a Asia. India como la primera productora de films del mundo, seguida por China/Hong Kong, luego Corea y luego Japón. Retomando el caso coreano, no se privan de nada, desde el terror más escalofriante, pasando por el trhiller y el suspenso, o por el policial negro, tal vez el romance con un toque de melodrama, los dramas históricos, las historias de fantasmas, héroes e inmortales, fantasía que hace soñar, comedias, disparates, todo está servido en una enorme bandeja donde el público está ávido de consumir y conocer. Y por supuesto, los directores junto a los actores. Una serie de talentosos directores han salido a la luz con producciones que se han galardonado en los principales festivales internacionales. Y los actores? Algunos son de gran trayectoria, que se nos revelan fantásticos en el arte escénico, con un manejo corporal, vocal y de expresión digno de ser mencionado.
Otros son actores jóvenes que están haciendo sus primeros pasos en este arte, se los llama la "nueva generación" y debo decir que además de ser buenos son lindos. Algunos de ellos ya han roto corazones tanto en Europa como en América, otros son la cara de grandes marcas de la moda, o los diseñadores europeos los contratan para sus campañas.
Atrás quedó el estereotipo del que entiende al coreano como una persona bajita, delgaducha y con aspecto no precisamente sexy. Han cambiado las décadas y la sociedad en conjunto. Nueva alimentación, cambios en la estructura ósea, y otros factores que pueden ser explicados mejor por antropólogos, hicieron que estos coreanos de hoy día, sean señores que superan el metro ochenta de estatura, con rasgos finos, y que distan bastante de los que hace cien años podía verse en algún documental o daguerrotipo. Obviamente un director buscará una buena cara o un buen físico para poner en pantalla, pero también detrás del rostro bonito hay una persona con talento.
Tomo algunos ejemplos, para que sirva como aperitivo.
Jang Dong-Gun es uno de los mimados de la pantalla. Ha realizado excelentes papeles como un agente del Bureau International de Investigación japonés en "2009 Lost Memories", o un melancólico en "Friends", pasando por el mítico esclavo Kunlun en "The Promise"... todos roles distintos y que desempeñó con gran ductilidad.

Otro ejemplo es Shin Hyeong - Joon, que tuvo éxito en tiras televisivas de alto ráting, y luego pasó a interpretar al sufrido Yu Jinha en "Bichunmoo" un drama épico al estilo "wuxia", luego al malvado y perverso comandante Gun en "Shadowless Sword" típicamente del género "wuxia ecléctictico", pasando por un experto en reconstrucción de rostros de la policía forense en "Face" (donde fue contratado como modelo de Christian Lacroix), o en "Gingko Bed" un melodrama intenso.

Hay mucho más para debatir pero hay uno que voy a poner como la belleza coreana: Kwon Sang-Woo. No puede ser más lindo por favor.

Continuará
Alexandra Scaffino

Bellezas masculinas coreanas continuación

2009-12-31T08:38:00.000-08:00

Y para terminar el año que mejor que festejarlo con estos hermosos y talentosos actores coreanos.

Kim Sung-soo

Sung Seong Heon

Joo Yi Tae

Feliz 2010!
Alexandra

Nicholas Tse el multifacético

2009-11-07T08:54:00.000-08:00

Nicholas Tse es un multifacético que siempre sorprende por sus capacidades. Nació el 29 de agosto de 1980 en Hong Kong pero fue educado en Canadá y en USA, pero retornó a su patria para trabajar. Además de ser actor es cantante, productor, músico, compositor, practicante de artes marciales, y ayudante humanitario. Habla con fluidez inglés, japonés y variaciones de su lengua materna. Sus discos comenzaron a editarse en 1997, canta tanto en mandarín como en cantonés. Su carrera en el cine empezó en 1997, y hasta la fecha no ha cesado de participar en numerosos films, lo que me ha sorprendido es que siendo un excelente actor, solo ha ganado dos premios en esa categoría. Tuvo varios affaires pero en 2006 se casó con la actriz Cecilia Cheung con la que tuvo un hijo en 2007 llamado Lucas. Le apodan "Lemon". Es conocida su fama de rebelde y mal conductor, tuvo varios escándalos por protestar ante multas o en incidentes callejeros. De fuerte personalidad y gran presencia escénica, posó para varios fotógrafos y participó en numerosas campañas publicitarias. Dúctil y versátil para interpretar una variada gama de roles tanto en televisión como en cine, se perfila como una de las grandes figuras de la pantalla china.

Filmografía

Young and Dangerous: The Prequel (少年古惑仔之激鬥編) (1998) (ganó el premio 'Best New Performer' en el Hong Kong Film Awards)
Gen-X Cops (特警新人類) (1999)
A Man Called Hero (中華英雄) (1999)
Metade Fumaca (半支煙) (1999)
Street Angels (少女党) (1999)
The Mirror (怪談之魔鏡) (1999)
Twelve Nights (十二夜) (2000)
Winner Takes All (大贏家) (2000)
Time and Tide (順流逆流) (2000) (ganó el premio en el Festival de Venecia, y nominado en el Motion Picture Sound Editors, USA)
Comic King (漫畫風雲) (2001)
Master Q 2001 (老夫子2001) (2001)
Heroes in Love (戀愛起義) (2001) (nominado en el Stockholm Film Festival)
My Schoolmate, the Barbarian (我的野蠻同學) (2001)
2002 (2001)
Tiramisu (戀愛行星) (2002)
Demi-Haunted (魂魄唔齊) (2002)
The Medallion (2003) [cameo]
Jade Goddess of Mercy (玉觀音) (2004) (Nominado en el Moscu International Film Festival, ganó en el Verona Love Screens Film Festival)
Enter the Phoenix (大佬愛美麗) (2004) [cameo]
Moving Targets (2004新紮師兄) (2004)
New Police Story (新警察故事) (2004)
A Chinese Tall Story (情癲大聖) (2005)
The Promise(無極) (2005) (nominado en el Golden Globe, el Fantasporto, y el Golden Trailer Awards)
McDull, the Alumni (春田花花同學會) (2006)
Dragon Tiger Gate (龍虎門) (2006)
Rob-B-Hood (寶貝計畫/BB計畫) (2006) [cameo]
The Heavenly Kings (四大天王) (2006) [cameo]
Legend of Twin Dragons (2007)
Invisible Target (男兒本色) (2007)
The Storm Warriors (風雲2 - Storm Riders, continuación) (2008)
Beast Stalker (証人) (2008)
Storm Rider Clash of the Evils (風雲決) (2008) (puso la voz)
Bodyguards and Assassins (2009)
Hot Summer Days (全城熱戀) (2010)
New Shaolin Temple (新少林寺) (2010)

Actuación en series televisivas

Aiming High (撻出愛火花) (1998) 20 episodios
The Monkey King: Quest for the Sutra (齊天大聖孫悟空) (2002)
Amazing Twins aka Handsome Siblings (小魚兒與花無缺) (2005)
On the Road II (向世界出發II) (2007) En los episodios 2 a 6
Big Shot (大人物) (2007)
Wing Chun (詠春) (2007) 40 episodios
The Spirit and the Sword (浣花洗劍錄)

(fuente Wikipedia)

Alexandra Scaffino

Shin Hyeon-Jun, la revelación coreana

2009-08-07T15:00:00.000-07:00

Este actor coreano me ha impactado cuando lo descubrí hace muy poco viendo el film "Shadowless Sword". Mi predilección por los villanos en el cine puede parecer que debilita mi objetividad pero en este caso, me parece que están equivocados. Es un actor que muestra una sólida formación y es sumamente interesante para seguir su carrera.
Nació el 24 de marzo de 1968, su altura de 1, 84 mt, pesa 74 kg, tiene un hermano y tres hermanas. Fue formado en Atletismo y Deportología en la Yonsei University, y su hobby es jugar al tenis.

Premios que ganó:
1992 Daejong Film Awards: Nuevo talento masculino
1992 Grand Bell Awards: Actor prometedor

Series televisivas en las que participó en Corea con gran éxito: Cain y Abel (SBS, 2009), Stars Lover (SBS 2008), Rondo (TBS 2006), Stairway to Heaven (SBS 2003), White Nights (SBS 1998), Wedding Dress (KBS 1997), Son of Wind (KBS 1995)

Filmografía

Kiss Me, Kill Me (2009)
The Worst Man of my Life (2007) cameo
Three Kims (2006)
Sexy Teacher (2006)
Marrying the Mafia III (2006)
Barefoot Gi-bong (2006)
Shadowless Sword (2005)
Marrying the Mafia II (2005)
Hi! Dharma 2: Showdown in Seoul (2004)
Face (2004)
Blue (2003)
Guns & Talks (2001)
A Masterpiece in My Life (2000)
Siren (2000)
Bichunmoo (2000)
Soul Guardians (1998)
The Man's Story (1998)
KK Family List (1997)
Maria and the Inn (1997)
Elegy of the Earth (1997)
Channel 69 (1996)
The Gingko Bed (1996)
The Taebaek Mountains (1994)
Love is Oh-Yeah (1993)
Passage to Buddha (1993)
Son of the General III (1992)
Son of the General II (1991)
Son of the General (1990)

Brigitte Lin o la belleza fatal

2009-04-25T18:05:00.000-07:00

Vaya pues mi homenaje a las mujeres bellas del cine, en este caso, a una taiwanesa fantástica. Brigitte Lin nació con el nombre de Lin Ching Hsia en Taiwan el 3 de noviembre de 1954 y se retiró de la industria cinematográfica en 1994. Comenzó a rodar en 1972 y a partir de la década del '80 en Hong Kong, cuando los productores locales descubrieron su belleza y talento. Protagonizó aproximadamente 80 películas.

Generalmente se la estereotipó en el rol de mujer fatal, o de mujer deseada, o despiadada (sea un ser humano o sobrenatural) Indiscutiblemente fue una excelente exponente de luchadora del género Wuxia. Encarnó personajes sobrenaturales a los que les dio un toque especial, casi diría inolvidable (la invencible Asia en la saga Swordsman, la peligrosa en Bride With White Hair) Se convirtió en la actriz fetiche del director Tsui Hark.

De sus películas se pueden mencionar algunas para conocer su trayectoria:

- 1983 Zu Warriors of the Magic Mountain (dirigida por Tsui Hark)

- 1990 Red Dust (ganadora del Golden Horse Award de Hong Kong como mejor actriz)

- 1992 Swordsman II (dirigida por Tsui Hark)

- 1993 The Bride with White Hair (dirigida por Ronny Yu)

- 1993 Swordsman III (dirigida por Tsui Hark)

- 1993 Ashes of Time (dirigida por Wong Kar Wai)

Cine chino: el género Wu Xia

2009-04-25T16:10:00.000-07:00

Se trata de un género inspirado en las novelas de caballería de la época T'ang (618-907 d.C.) del género Chuanqi (romance en prosa) y los cuentos Huaben de la dinastía Song (960 - 1279 d.C.) que eran muy populares, incluian temas tales como:
- Yinzi'er (cuentos sobre eventos extraños)
- Gongan (historias detectivescas)
- Tieqi'er (cuentos de heroísmo marcial)
No obstante los pioneros del género Wuxia vivieron durante la dinastía Ming (1368-1644) fueron los que asentaron las bases de las modernas novelas Wuxia. Estas resurgen en la modernidad luego del movimiento del 4 de mayo de 1919. Se trataba de una nueva literatura que rompía con los valores confucianos y el caballero Xia emerge como el nuevo símbolo de libertad personal, desafiante a la tradición confuciana, y desprecio al sistema familiar chino. Como forma de protesta, los filmes del género Wuxia y su literatura fueron censurados varias veces durante la dinastía Qing (1644 - 1912) y durante la época republicana. En la década del veinte las novelas Wuxia se editaban en la prensa popular (diarios y periódicos) por capítulos. La reacción contra los valores del Wuxia se deja entrever en las palabras lapidarias de Han Feizi: "Los confucianos con su cultura confunden la ley. Los espadachines (xia) con su fuerza marcial (wu) violan las prohibiciones. Si el poder tolera a estos grupos, el desorden está asegurado". Han Feizi enlistó a los caballeros Xia entre las cinco calamidades de la sociedad, por ser subversivos. Otro que los demandó fue Xun Yue puesto que para él los caballeros Xia eran un problema porque rechazaban los valores confucianos. No obstante las protestas, los estudios cinematográficos chinos se pusieron febrilmente a filmar novelas Wuxia. El auge se produjo entre 1928 y 1932, con un total de 241 filmes. El primer filme del género Wuxia se llamó "The Burning of Red Lotus Monastery" filmado en 1928 basado en la leyenda del Héroe Extraño de Xiang Kairen. Este filme quedó como prototipo del género. En 1930 se prohibe la filmación de este género alegando que daban mala influencia a la juventud. Vuelven a filmar a partir de 1945.

La literatura Wuxia luchó por sobrevivir y tuvo un renacimiento a partir de 1945. Un renombrado autor fue Wang Dulu, que introdujo el melodrama, y Yao Minai que escribía sobre sociedades secretas. Durante la década del cincuenta, los novelistas del Wuxia fueron divididos en los de la escuela del norte y la del sur. La escuela del norte tenía su centro en Beijing, se focalizaba en los valores tradicionales, se basaban en el realismo y ponía la historia en un contexto histórico real. Un ejemplo típico es "Romance de los Tres Reinos". La escuela del sur estaba centrada en Shanghai y fueron influenciados por Occidente.

El caballero Xia

El famoso historiador chino Sima Qian dijo del héroe: "Es honesto en sus palabras, efectivo en la acción, firme en el cumplimiento de las promesas, no teme ofrecer su vida para liberar al bueno de la corrupción". La palabra "wuxia" se escribe con dos caracteres: "wu" (arte marcial) y "xia" (caballería) Se lo debe entender como ficción de caballería de artes marciales. Xia es un héroe, el caballero errante, un excelente artista marcial. Puede provenir de cualquier estrato social. Tiene un alto sentido del honor, fuerte ideología, estricto código de conducta. El caballero Xia es un desconforme que pelea por la justicia. Marca las faltas morales, su palabra es inviolable, se adscribe a toda causa que requiera su lealtad, benevolencia o ayuda. Lian Qi Chao dijo: "Atesora el estado, la amistad, el trabajo, las promesas, la bondad, la venganza, el honor y la rectitud más que su propia vida". El caballero Xia tiene ocho atributos: altruísta, justo, individualista, leal, coraje, veracidad, desprecio por su bienestar, deseo de gloria. Excepto por el individualismo, estas características tipifican al "gentleman" confuciano o "junzi". El "junzi" encarna la benevolencia, la lealtad, el coraje y la rectitud. El Xia tiene un código de honor que contiene elementos de "li" (caballería) El caballero Xia no tiene obediencia ciega por su patrón como pedía Confucio. No persigue la gloria personal, contaba con el espíritu del "wude" (virtud marcial) el cual exigía humildad y entrega absoluta. Los caballeros Xia están permanentemente disconformes con la tradición. Colocan la lealtad a sí mismos antes que a la familia. Un juramento con un extraño era más importante que una obligación para con los miembros de su familia. No soportan la autoridad, son rebeldes pero por su sentido de equidad. El caballero Xia conlleva el legado de los guerreros "shi" que siguen las reglas del "wude" (virtud marcial), "li" (caballería), "hao" (galantería) y "bao" (venganza). El heroico Xia era el confuciano Junzi que mantiene el espíritu marcial del "shi" (rectitud) y "xin" (honor) como código de conducta.

Esquema del género Wuxia:
- lucha con armas blancas
- el protagonista es un caballero errante
- ambientación histórica o mítica
- lucha sobrenatural

En el Wuxia se usan elementos del taoísmo como la leyenda de los inmortales, magos y sabios, en la lucha se despliegan toda una suerte de habilidades sobrenaturales, los poderes se adquieren por la posesión de objetos mágicos o por la trasmisión de una técnica especial. Difieren mucho del género de películas de "wushu" (arte marcial) porque en ellas la lucha es realista, los personajes buscan aprender técnicas marciales, se inician en las mismas, luchan entre bandas, hay exilio de maestros y búsqueda por parte de sus alumnos, etc.
En el Wuxia hay un cliché: el caballero Xia experimenta una tragedia (pierde a su familia, sus hermanos de jura o a su maestro) y se pone a practicar artes marciales o a perfeccionarlas, luego sale a defender a los débiles. Para luchar se vale de lo que encuentra: agujas, pinceles de escritura, instrumentos musicales, todo como si fueran armas. "Qing Gong" es la habilidad de moverse libremente como si levitase, trepar paredes, caminar sobre el agua o montar árboles. "Neijin" es el control místico de la energía interna. El "dian xue" es un recurso para paralizar, matar o envenenar a alguien, o presionar los puntos mortales (que están descritas en los libros llamados "miji")

Pero de dónde se origina la figura del héroe Xia?
En la época de los Estados Combatientes (403 a.C. momento de la tripartición del estado de Jin, hasta 221 a.C) las continuas batallas entre los tres reinos destruyeron familias enteras. El guerrero "shi" fue desplazado, y éstos crearon un nuevo grupo que se hicieron llamar "you xia", que eran reclutados por los príncipes feudales como hombres de armas. Los "you xia" fueron mal vistos, pues eran enemigos de los Han. Se transformaron en líderes de pequeñas comunidades. Ya no son guerreros profesionales como en épocas anteriores pero siguen siendo diestros en las artes marciales. Se pusieron al servicio de familias influyentes o de terratenientes que los contrataban como custodios. Los Xia se resistían al gobierno central, intimidaban a las autoridades locales. Con la caída de la dinastía Sui (581 - 618 d.C.) surge un nuevo caballero Xia en el monje shaolin. Andando el tiempo durante la dinastía Ming (1368 - 1644) hubo renombrados caballeros Xia, pues eran favorecidos por los emperadores Ming. Los Xia eran convocados para luchar contra los opresivos terratenientes que recolectaban impuestos. Con la dinastía Qing (1644- 1912) aparece el "biao xia" (custodio) eran contratados para custodiar bienes o eran guardaespaldas. Los bandidos que protegían al débil del déspota local era llamado "dao xia". Los Qing perseguían las sectas secretas y a los marginados, de donde también salían guerreros Xia. Los monasterios eran los que emitían los documentos de identidad desde que los monjes shaolin se impusieron en el 622 d.C. Muchos disidentes, exiliados o refugiados políticos se asilaban en los monasterios shaolin. Por ello estos nuevos monjes se constituyeron en el nuevo Xia a partir del siglo VII, pero como hemos visto, cambió radicalmente con los Ming. El Xia actuaba contra el terrateniente opresor, a los excesos de impuestos, a los oficiales corruptos.

La cuestión del tratamiento de la feminidad en los filmes de Wuxia:
El deseo de aniquilación, mutilación, castigo y muerte son temas de muchas historias de artes marciales. La figura de la diosa: desde la República hay un nuevo concepto de mujer en todos los niveles del discurso y en el lenguaje cinematográfico. El desarrollo del cine de Shanghai jugó un rol esencial en el avance social de la mujer. En 1772 se había prohibido que la mujer actuase en el teatro así que el varón tomaba el rol de mujer en la ópera. Luego en el film la mujer adquiere un protagonismo impresionante. En Shanghai no había empleos para la mujer, solo podían ser secretarias bilingues o simples estrellitas de cine. Querían escapar de la tradición confuciana en la cual la obediencia las sometía (obedecer al padre, al marido y al hijo) Que pasó con esta nueva mujer? Desde la época Tang con su literatura, abunda en la figura de la mujer como heroína, la luchadora en todo sentido, y este rol vino a saciar ese deseo de revolución femenina. En 1922 el director del género Wuxia Zhang Shichuan de Shanghai descubrió muchas actrices y se centró en los roles femeninos. Xuan Jinglin en la película "The Nameless Hero" de 1926 es la primera espadachina del cine. Zhang sacó a la actriz de un burdel en 1925 ("shen nu" es prostituta, que invertido, "nu shen" vino a componer los términos de la palabra "diosa") Esto alude a la mitológica Yao Ji que usaba sus poderes divinos para seducir a los hombres. La mitología china habla de la diosa madre Nu Wa que creó a la humanidad de la arcilla pero que luchó contra los hombres y gigantes destruyéndolos, para caer exhausta y se preparó para morir. Ella creó un sacerdote, vio su desnudez como inmoral, prohibida por las leyes de la tierra. Esta diosa caída en desgracia muestra la ambivalencia de la imagen de la madre. Ella es amada y venerada, pero el orden patriarcal demanda la sumisión de todas las mujeres al poderoso padre, al marido y al hijo. La diosa se rehúsa a obedecerles y regresa en forma monstruosa (Tsui Hark lo muestra en su filme "A Chinese Ghost History" serie realizada entre 1987 a 1990). Ella en la sociedad está entre la profesión que la mete en el mundo de los hombres y es su enemiga mortal al mismo tiempo. En el cine el beso, el sexo y la seducción son las más poderosas armas del poder. En el cine la mujer es objeto de deseo. La belleza, el virtuosismo de las luchas y los interludios eróticos cran un hermoso espectáculo visual. En las películas Wuxia, las mujeres son libres, pueden viajar donde se les antoje y pelear. La figura de la heroína del Wuxia está en el centro de la balanza de la devaluación como mujer (ella es centro de bromas, intentos de rapto, violaciones) y la fetichización de su poder en el arte marcial que a veces la transforma en objeto sexual.

La relación del héroe con la mujer

En el género Wuxia el rol de la mujer en relación con el héroe se da a través de su alma gemela, una mujer fatal o un demonio que lucha. Ser artista marcial para un hombre es el resultado de un trabajoso proceso, no pasa lo mismo con la mujer, pues ella sabe luchar de la nada. Los héroes Wuxia permanecen castos. A veces el caballero Xia se sirve de la mujer para lograr sus propósitos y luego las desprecian. El concepto de masculinidad es destacadísimo. Es un mundo donde hombres y mujeres luchan de igual a igual para restaurar el equilibrio. Como permanecen castos en los filmes Wuxia no veremos escenas de amor apasionado ni sexo. El género Wuxia exalta la masculinidad y la castidad de los héroes. Las escenas de lucha entre los dos sexos es como una competición terrible, la mujer a veces se vale de las artes marciales para que un hombre no la viole o abuse de ella. En los primeros filmes de Wuxia la protagonista femenina es forzada a aprender técnicas de lucha para escapar de raptos o violaciones. La mujer lucha pero sabe cocinar, lavar, limpiar, hacer todas las tareas domésticas.

El erotismo en el héroe y la cuestión de la desnudez

Los filmes de Zhang Che crean un espacio homoerótico cuando hombres luchan contra hombres. Ellos exhiben la pasión erótica sobre su cuerpo, mostrando su sufrimiento, su sangrado, muriendo terriblemente. No muestran jamás su cuerpo desnudo. Rara vez se quitan la chaqueta para mostrar sus músculos, y si lo hacen la mujer permanece pasiva, observando sin actuar. A veces el hombre es ayudado por una mujer a curarse una herida para lo cual necesita desnudar su torso, pero ella no actúa atraída sexualmente. El cuerpo desnudo del héroe debe ser cuidadosamente tapado a toda costa. El amor de una mujer nace a veces de la necesidad y de la gratitud que le debe a un hombre. En el género Wuxia se prioriza la pena sobre el placer.
El director que explotará al máximo el erotismo del cuerpo del héroe desnudándolo es Chang Cheh. Muestra sin reparos la parte superior del cuerpo masculino destacando su fuerza, su musculatura, su sudor, su sufrimiento.

Para ver el género Wuxia hay que entender al menos algunas de estas premisas básicas, puesto que son diferentes a los cánones occidentales.

Alexander Fu Sheng - Primera parte

2009-01-31T07:42:00.000-08:00

Me cuesta mucho escribir esto. He tardado bastante en decidirme en redactar algo sobre Alexander o Fu Sheng, como prefieran. Es una sensación de tristeza pero a la vez de placer cada vez que lo veo en una película o en imágenes. Creo que merece un homenaje y un recuerdo permanente. Muchas veces no se le da el lugar que debe ocupar en el mundo del cine de artes marciales. Su vida fue efímera pero nos dejó un legado precioso que debemos divulgar aquellos que tenemos pasión por el cine hongkonés. Generalmente su nombre pasa desapercibido bajo la aplastante propaganda de la segunda generación de actores de la Shaw Brothers (Ti Lung y David Chiang) pero gracias a sus fans se arman sitios en la red donde podemos darle el sitial que se merece. La vida no le alcanzó, se nos fue muy rápido, como si nos lo hubieran arrancado de las manos. Quien sabe que hubiese pasado si hoy estuviera vivo. Tengo una raro apego hacia su persona. Lo descubrí cuando en mi país empezaron a pasar las películas de la Shaw Brothers a través del canal Metro Goldwyn Mayer e I-Sat. No había otra forma de verlas. En medio de la maraña de actores que se desplegaban en los espectaculares escenarios de la Shaw, divisé la figura de Fu Sheng, y captó mi atención inmediatamente. Su impresionante carisma y lo que se llama "presencia escénica" hizo que mi atención se centrara en él y me preguntase quien era. Así hace un año busco material sobre su vida. Lo que aquí pongo es simplemente lo que fui recabando a través de cortos espacios de tiempo, a veces desilusionándome, porque no he visto gran cosa (salvo en la página de la Shaw Brothers) dedicada a él.

Creo que hay que aclarar las cosas de una vez. Sé sobradamente que Bruce Lee hubo uno, que Jackie Chan y Jet Li son exitosos en occidente con sus filmes de artes marciales. Pero estuvo Fu Sheng. No hay que pasarlo por alto. Ya en 1971 estaba filmando y entrenando duramente para hacer impecables sus apariciones en pantalla. Sus dotes actorales y especialmente su viz cómica son increíbles. Tenía esa "pisada escénica" que no todos la tienen, porque se nace con un carisma. El problema es que sus películas no fueron distribuidas al occidente y por ello no fue conocido, comparado con los anteriormente citados. Pero su vida no fue fácil. Los contratos que tenía con los estudios Shaw eran tremendos, lo tenían prácticamente atado, pues era la mega estrella que les daba fortunas y éxito. No podía filmar con otras compañías ni aventurarse en el exterior. Encadenado a los estudios, dio lo mejor de sí para dejarnos 39 filmes, antes de partir trágicamente. Me gustaría hablar del Fu Sheng hombre, del que se conoce a través de los dichos de su viuda o los testimonios de sus amigos. Hablar de lo que se pueda, porque no se encuentra fácilmente material, aunque en estos últimos tiempos el mundo lo está descubriendo y se está desatando una ola de fanatismo en torno a su persona. Yo a veces me pregunto cuando lo veo en los filmes... cómo no adorarlo? Un avezado en artes marciales, un excelente actor, un genial comediante, un hombre con sello personal y una sonrisa que ilumina la pantalla.

En vistas de que lo que tenga lo publicaré, este mensaje irá por partes. Por ahora esta introducción que parece más una confesión de adoración hacia Fu Sheng, lo cual no niego en absoluto, y a la vez una catarsis al sentir tanta tristeza por su pérdida.

Nos estamos leyendo

Alexandra

Jet Li

2008-10-23T16:17:00.001-07:00

Jet tiene carisma. Y con eso se nace. Tal vez no sea lo espléndidamente fotogénico ni sus dotes de actor sean cuantificables como las de un Sir Lawrence Olivier pero cuando sale en pantalla "vende". Sé que ha hecho films muy buenos, otros buenos y otros no tan buenos, pero tiene un sello personal que me parece interesante.
Hay mucho sobre él en la red, no creo que este simple escrito vaya a develarles algo fuera de lo común, pero les ofrezco una simple animación de primeros planos sacados de Kiss of the Dragon (2001)

De Jet me gustan varias cosas, su desbloqueo de la "cuarta pared", su carrera, y particularmente su devoción por la ayuda comunitaria y caritativa, la cual se hace visible en la Fundación One... De su producción fílmica me quedo especialmente con tres títulos: Fearless, Tai Chi Master y Shaolin Temple. De distintas épocas por supuesto. Pero con su impronta.

Alexandra

En espejo: Yul Brynner y Gordon Liu

2009-02-13T09:45:00.000-08:00

Se preguntarán que tienen de común estos dos artistas? Responderán: ambos son actores, ambos son calvos (aunque optaron por esta moda), ambos tuvieron una carrera increíble... pero yo he quedado sorprendida por algo tan simple que los une a pesar de las distancias: el parecido y la cercanía de pertenencia étnica cercanas (Gordon chino, Yul de descendencia mongola)

A las pruebas me remito. No se pueden comparar sus carreras puesto que obviamente fueron diferentes, Yul Brynner fue una mega estrella de Hollywood, mimado por grandes directores, adorado por las mujeres más hermosas de su época, venerado en todo occidente. Gordon Liu fue una mega estrella del cine hongkonés, adorado por el público del sudeste asiático, con una vida diferente a la de Brynner por cuestiones culturales. Esto sin contar la diferencia de estilos fílmicos en los que participaron.

Vidas diferentes, caminos parecidos

Gordon Liu (Liu Chia Hui)

Gordon Liu nació el 30 de noviembre de 1955 en la provincia de Guangdong (Cantón) en China, y a principios de la década del setenta fue adoptado como alumno en la escuela de los mega productores fílmicos hongkoneses Shaw, asimismo entrenado por el prestigioso artista marcial y director Lau Kar Leung en el estilo Hung Gar. Pronto se perfiló como un dúctil actor que podía desempeñarse tanto en drama como comedia, y mostraba una fuerte personalidad demostrando gran emoción en los personajes que encarnaba. Quentin Tarantino se declaró su fan (y lo contrató para su famoso film Kill Bill) Pero esta entrada en Hollywood no lo sedujo y retornó a Hong Kong donde desde fines de los ochenta realizaba espectáculos televisivos para la cadena TVB- En su primera etapa como actor mimado de la Shaw Brothers se destacaba por encarnar roles de monje shaolin mostrando destreza en las artes marciales, por eso es muy recordado su film "The 36 Chamber of Shaolin" (1978) y luego la saga "Drunken Master".

Los filmes de Gordon Liu
5 Shaolin Masters (1974)
Shaolin Martial Arts (1974)
4 Assassins (1975)
Challenge Of The Masters (1976)
7 Man Army (1976)
Bloody Avengers (1976)
He Has Nothing But Kung Fu (1977)
Executioners from Shaolin (1977)
Breakout from Oppression (1978, filmed in 1973)
The 36th Chamber of Shaolin (1978)
Heroes of the East (1978)
Deadly Mantis (1978)
Fury in the Shaolin Temple (1979)
Dirty Ho (1979)
Spiritual Boxer II (1979)
Clan of the White Lotus (1980)
Return to the 36th Chamber aka Master Killer II (1980)
Fists and Guts (1980)
Elders (1981)
Shaolin and Wu Tang (1981)
Martial Club (1981)
Raiders of Buddhist Kung Fu (1982)
The Shaolin Drunken Monk (1982)
Legendary Weapons of China (1982)
Treasure Hunters (1982)
Young Vagabond (1982)
Cat Vs Rat (1982)
Lady Is The Boss (1983)
Crazy Shaolin Disciples (1983)
Tales of a Eunuch (1983)
Eight Diagram Pole Fighter (1983)
Shaolin Warrior (1984)
Disciples of the 36th Chamber (1985)
My Heart Is That Eternal Rose (1987)
Legend of the Phoenix (1988)
Tiger on the Beat (1988)
A Fiery Family (1989)
Code of Fortune (1989)
Avenging Trio (1989)
Ghost Ballroom (1989)
Killer Angels (1989)
Tiger on the Beat II (1990)
A Bloody Fight (1990)
China Heat (1991)
Killing in the Dream (1992)
Cheetah on Fire (1993)
Flirting Scholar 2 (1993)
Flirting Scholar (1993)
Deadly China Hero (1993)
Legend of the Liquid Sword (1993)
Bogus Cops (1993)
Drunken Master III (1994)
American Shaolin (1994)
Funny Shaolin Kids (1994)
Lethal Girls 2 (1995)
Journey to the West (1996) (TV series)
Journey to the West II (1998) (TV series)
Generation Pendragon (1999)
The Island Tales (1999)
A Step into the Past (2001) (TV series)
Drunken Monkey (2002)
Star Runner (2003)
The King of Yesterday and Tomorrow (2003) (TV series)
Kill Bill: Vol. 1 (2003) Johnny Mo
Kill Bill: Vol. 2 (2004) Pai Mei
Shaolin Vs. Evil Dead (2004)
Dragon Squad (2005)
A Chinese Tall Story (2005)
Mr. 3 Minutes (2006)
Shaolin Vs. Dead: Ultimate Power (2007)
Heroes of Shaolin (2008)
Chandni Chowk To China (2008)
True Legend (2008)

Yul Brynner

Yuli Borisovich Bryner, nació el 11 de julio de 1915 y murió el 10 de octubre de 1985, nacido en Rusia. Fue hijo del matrimonio formado por el ingeniero e inventor ruso llamado Boris Bryner (de ascendencia mongola) y su madre Marousia Blagovidova que él describía como una gitana, muerta por consecuencia del parto. Su nombre lo heredó de su abuelo, Jules Bryner.
Fue educado en París, en el exclusivo Lycée Moncelle, y luego fue aprendiz de actor en el Théâtre des Mathurins, con la supervisión de Jean Cocteau. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo en los circulos romanís de París, en un circo de esta ciudad como acróbata hasta que a los 17 años tuvo una mala caída que le produjo una permanente lesión en la espalda. Fue entonces cuando empezó a trabajar en un club nocturno con una banda de gitanos tocando la guitarra y como cantante.Su primer paso a la fama fue con su representación teatral de "El rey y yo", la cual representó 4.626 veces durante su vida artística. Con esta obra ganó un Oscar a la mejor interpretación, luego de que fuera llevada a la pantalla grande, coprotagonizada por Deborah Kerr, en 1956.
La apariencia un tanto exótica fue lograda con su carismática cabeza rapada, pues no era calvo; eso se puede comprobar en la película Salomón y la Reina de Saba, dirigida por

King Vidor y coprotagonizada por Gina Lollobrida. Todo esto hizo de Yul Brynner un actor cotizado para papeles de orientales en general.
Ese mismo año apareció en dos otras importantes producciones, Anastasia, junto a Ingrid Bergman (papel que le valió el Oscar a esta actriz sueca) y Los diez mandamientos, donde interpretó a Ramsés II; posteriormente apareció en filmes considerados clásicos como The Magnificent Seven y Westland.

Además de su trabajo como actor, Brynner fue un fotógrafo activo y escribió dos libros. Su hija Victoria compiló en otro libro sus fotografías familiares, de amigos y colegas actores, así como también aquellas que tomó mientras servía como asesor para refugiados de la ONU. El libro se titula "Yul Brynner: fotógrafo". Estudiante de música desde su infancia, fue también intérprete de guitarra y cantante. En los primeros días de su estancia en Europa, solía tocar y cantar canciones gitanas en clubs nocturnos de París, junto a Aliosha Dimitrievitch. Cantó algunas de estas canciones en el film Los Hermanos Karamazov. En 1967, él y Dimitrievitch editaron un álbum, "El Gitano y Yo: Yul Brynner Canta Canciones Gitanas".
Fue elegido Presidente Honorario de la Unión Romaní, cargo que él mantuvo hasta su muerte.

Estuvo casado cuatro veces:
Con la actriz Virginia Gilmore entre 1944-1960; tuvieron dos niños llamados Yul Brynner II (1946) y Lark Brynner (1958).
Entre 1960-1967 estuvo casado con la modelo chilena Doris Kleiner; tuvieron una niña, llamada Victoria Brynner.
Entre 1971-1981 se casó con una activista francesa llamada Jacqueline de Croisset; no tuvieron hijos propios.
En 1983 se casó con la bailarina china Khaty Lee, su última esposa.
Tuvo un romance además con la actriz Marlene Dietrich, en los años 50.

Yul Brynner contrajo un cáncer de pulmón (era fumador empedernido) y el 10 de octubre de 1985 falleció, a pesar de haber luchado por dejar el tabaquismo. En enero de 1985, nueve meses antes de su muerte, dio una entrevista en el programa televisivo estadounidense Buenos Días, América, expresando su deseo de hacer un comercial contra el tabaquismo. Un clip de esa entrevista se convirtió en un anuncio público por la American Cancer Society; fue estrenado después de su muerte. En él, dice "Ahora que me fui, te digo: no fumes". Sus restos descansan en una abadía de Luzé, cerca de Poitiers (Francia), llamada Saint-Michel-de-Bois-Aubry.

A pesar de su espléndida carrera será inolvidable por su papel del rey en "Ana y el Rey" o como el faraón Ramsés II en Los Diez Mandamientos o como cosaco en Taras Bulba, o en Los Siete Magníficos.

Filmografía de Yul Brynner
Puerto de Nueva York (Port of New York) (1949)
El rey y yo (The King and I) (1956) -Premio de la academia: Mejor Actor.
Los diez mandamientos (The Ten Commandments) (1956)
Anastasia (Anastasia) (1956)
Los hermanos Karamázov (The Brothers Karamazov) (1958)
Los bucaneros (The Buccaneer) (1958)
Rojo atardecer (The Journey) (1959)
El ruido y la furia (The Sound and the Fury) (1959)
Salomón y la reina de Saba (Solomon and Sheba) (1959)
Volverás a mí (Once More, with Feeling!) (1960)
El testamento de Orfeo (Le testament d'Orphée, ou ne me demandez pas pourquoi!) (1960)
Una rubia para un gángster (Surprise Package) (1960)
Los siete magníficos (The Magnificent Seven) (1960)
No me digas adiós (Goodbye Again) (1961) (extra)
Fuga de Zahrain (Escape from Zahrain) (1962)
Taras Bulba (Taras Bulba) (1962)
Los reyes del sol (Kings of the Sun) (1963)
Patrulla de rescate (Flight from Ashiya) (1964)
Invitación a un pistolero (Invitation to a Gunfighter) (1964)
Morituri (Morituri) (1965)
La sombra de un gigante (Cast a Giant Shadow) (1966)
Las flores del diablo (Poppies Are Also Flowers) (1966)
El regreso de los siete magníficos (Return of the Seven) (1966)
Triple Cross (Triple Cross) (1966)
Mi doble en los Alpes (The Double Man) (1967)
La leyenda de un valiente (The Long Duel) (1967)
Villa cabalga (Villa Rides) (1968)
La huella conduce a Londres (The File of the Golden Goose) (1969)
La batalla del río Neretva (Bitka na Neretvi) (1969)
La loca de Chaillot (The Madwoman of Chaillot) (1969)
Si quieres ser millonario no malgastes el tiempo trabajando (The Magic Christian) (1969) (Cameo)
Adiós, Sabata (Indio Black, sai che ti dico: Sei un gran figlio di...) (1971)
La luz del fin del mundo (The Light at the Edge of the World) (1971)
Romance de un ladrón de caballos (Romance of a Horsethief) (1971)
El oro de nadie (Catlow) (1971)
El turbulento distrito 87 (Fuzz) (1972)
El serpiente (Le serpent) (1973)
Almas de metal (Westworld) (1973)
Nueva York, año 2012 (The Ultimate Warrior) (1975)
Con la rabia en los ojos (Con la rabbia agli occhi) (1976)
Mundo futuro (Futureworld) (1976) (cameo)
Lost in the Revolution (1980) -narrador

Qué puedo decir de estos actores? A Yul que lo adoré siempre y descanse en paz, a Gordon que es un grande, un gigante de la pantalla asiática.

Alexandra

Hellraiser o el espanto magnificado

2008-10-13T11:00:00.000-07:00

Hace mucho tiempo que la ví y recientemente la recordé, y volví a sentir los mismos escalofríos. Si hay una película que me aterrorizó, fue Hellraiser, me refiero a la original de 1987. No soy amante del terror llamado "gótico", pero no pude evitar verla. La primera vez la vi con una mano tapándome la mitad de la cara porque no lo soportaba, o me llevaba las manos a la boca de los nervios. Fue terrible. Pero inauguró una estética nueva del horror, y es de esos films que no se pueden soslayar. Se convirtió en un ícono del espanto en pantalla, y dejó sus huellas en siete secuelas, que no son las que me interesa comentar aquí sino mencionar que algo tan poderoso visualmente, y transgresor, no podía dejar de tener epígonos.

"Hellraiser" es una película británica de terror lanzada al mercado en el año 1987, explora temas tales como el sadomasoquismo, la relación entre el dolor y el placer, y la moralidad de personajes sometidos al temor y a la tentación. Basada en la aclamada novela escrita por Clive Barker llamada "The Hellbound Heart", Barker también dirigió esta película.

"Hellraiser", basada en el cuento corto "The Hellbound Heart" de Clive Barker, empieza con una escena donde un hombre llamado Frank adquiere una extraña caja negra, adornada por filigranas doradas. Luego, en un cuarto vacío, el hombre manipula la caja, que resulta ser un acertijo que, una vez resuelto, permite la entrada de extrañas criaturas a nuestro mundo quienes le ofrecen todos los placeres y todo el dolor de ambos mundos. Finalmente Frank muere despedazado por cadenas, anzuelos y garfios que se clavan en su piel y terminan por desmembrarlo en un espasmo sublime.
Un tiempo después, la familia Cotton se muda a la casa donde tuvo lugar aquel evento. La casa pertenece a Larry (Andrew Robinson), y el hombre que en ella desapareció resulta ser su hermano Frank. Junto con Larry llega su esposa Julia (Clare Higgins) y su hija Kirsty (Ashley Laurence).

Lo que Larry no sabe, es que su esposa Julia tuvo un breve pero intenso romance con Frank, por lo que ella se ha vuelto distante y fría con su legítimo esposo. Durante la mudanza, Larry sufre una herida en la mano, y parte de su sangre cae al piso del cuarto, ahora vacío, donde Frank realizó su extraño ritual. La sangre se filtra bajo las tablas del suelo e inicia la resurrección de Frank. Pero solo es un esqueleto humano con un esbozo de músculos y órganos; la sangre de Larry no fue suficiente para restituir a Frank a una forma totalmente humana, y para lograrlo necesitará más sangre.
Afortunadamente para él, Julia descubre al monstruo, y a pesar de su horror inicial, accede a llevar víctimas para que Frank complete su resurrección. Mientras tanto, Kirsty sospecha que algo raro ocurre en la casa, y cuando descubre la caja negra, sin darse cuenta atrae a las criaturas que se llevaron a su tío.
Para evitar sufrir el mismo destino que Frank, Kirsty debe hacer un trato con ellos y entregar a su propio tío a estas criaturas.

Me parece ver un símbolo recurrente: el objeto que es el portal al otro mundo, sea un lugar celestial o infernal. La clave está en una caja que es un acertijo, y es la que trae a este mundo a los seres infernales. Esto se repite por ejemplo en "Wishmaster" (y sus secuelas por supuesto). Aunque los guiones sean diferentes lo que las emparenta es la necesidad de un objeto como vehículo de paso de seres de otra dimensión a esta. Obviamente "Wishmaster" jamás alcanzará la tensión y el horror como lo hace "Hellraiser", solamente hay una simbología que comparte.

No quiero volver a verla. Me sigue espantando. Pero es un monumento fílmico.

Alexandra

Existe otro universo - Lord Vaako

2008-05-25T16:06:00.000-07:00

Todo comenzó cuando ví The Chronicles of Riddick, donde descubrí al actor Karl Urban. Y como sucede siempre, averiguo su origen y su carrera. En este film me impresionó especialmente la estética visual de la escenografía y el vestuario, sin duda. No haré una crítica del argumento y la puesta en escena, solamente me detendré a observar a Urban en este rol.
Investigando un poco sobre su origen: Nació en Wellington, Nueva Zelanda, el 7 de junio de 1972, y su nombre completo es Karl Heinz Urban, hijo de alemanes, idioma que conserva hasta la actualidad cosa que me encanta pues no se olvida de sus raíces. Además se lo ve frecuentemente con una remera que dice "I Love New Zeland", y no sé por que razón pero sus seguidores valoran mucho ese apego por su tierra natal, hasta el punto que lo bautizaron "kiwi" (fruta que nace en dichas tierras). Su carrera actoral comenzó en Nueva Zelanda con cortos para televisión y filmes, a partir de 1992.

Pero en 1997 estaba aterrizando en la tierra de los sueños, Hollywood, quien lentamente le abriría las puertas para consagrarlo con su actuación en el rol de Eomer en The Lords of the Rings The Return of the King, donde ganó tres premios en 2003 (compartidos con el elenco). Pero ha impresionado y se ha hecho mundialmente conocido en su rol de Lord Vaako en The Chronicles of Riddick (2004) y en Doom (2005). En este espacio, le dedicaré un poco de atención a este personaje, Vaako. La propuesta del film es sencilla: mostrar que existe un lugar llamado "Underverse" (algo así como un gemelo del universo pero donde se producen alteraciones astrales a todo aquel que ingresa en él) que está liderado por un tirano que se hace llamar Lord Marshall, quien fue el único que logró llegar a este lugar y regresar al universo con poderes extraordinarios como por ejemplo quitarle el alma a una persona, nada más ni nada menos. Este tirano reside en un planeta llamado curiosamente Furia, donde los reclutados son transformados en guerreros irascibles llamados Furianos, y dentro de su sociedad, existe una gran jerarquización: luego de él le sigue su comandante, en este caso Lord Vaako, sus primeros oficiales, el cuerpo de élite conformado por oficiales y sus esposas, ministros y personajes al que llaman "Purificadores", es quien convence a las masas de convertirse en furianos puesto que ese mundo es mucho mejor que el normal, donde existe multiplicidad de razas, credos, lenguas. Puesto que en Furia todo es muerte. Los seres que viven allí son personas muertas, que ya no tienen la chispa divina que posee el ser humano. Inclusive podemos apreciar en el vestuario la alusión recurrente a la piel de serpiente lo cual indica una trasmutación pues este es un animal que universalmente fue asociado con este animal.
La estética visual denota a la perfección este mundo de seres astrales, trastrocados, donde todo es gris, donde la vida parece no ser vida, reunidos principalmente en el centro de operaciones de Lord Marshall curiosamente llamado "The Basilica". Su escenografía es impresionante, hay imágenes de hombres desnudos retorciéndose o sufriendo, tal vez la muestra de la trasmutación que ahí se opera. Las multiplicaciones de las imágenes de Lord Marshall indica su soberbia y en su traje, su casco con tres rostros, uno mira hacia el frente y otros dos a los costados, puede indicar la omnipresencia del mismo. Su comandante, Lord Vaako, es un fiel seguidor pero su esposa, Lady Vaako, es una ambiciosa que lo instiga permanentemente a hacer mérito para luego tramar un complot contra Lord Marshall, asesinarlo y tomar el liderazgo de los furianos. En este sentido podríamos decir que Vaako es un ser manipulado por la belleza y astucia de su esposa.
A Vaako méritos no le faltan por ello ocupa el lugar de la comandancia, lleva una armadura especial que hace mérito a su rango. En este punto destaco la gran producción de vestuario. No hay en este caso tanta reminiscencia al antiguo mundo romano, hay una reformulación de los cascos y las armaduras.

Vaako luce una armadura sensacional, destaco en la espalda la sucesión de escamas que recorren su espina dorsal recordando nuevamente a la serpiente. Su casco es especialmente bello, en la frente hay una especie de ser demoníaco con las fauces abiertas.

Su traje corriente por así decirlo, con estampado que recuerda las escamas de serpiente.

Sus armas son de temer y solo las puede llevar él, un hacha con varias hojas, y una especie de cuchillo boomerang (más allá de las armas de fuego).

Hay un hecho anecdótico y es que Urban tuvo que adelgazar para el rol, cuestiones de estética visual por el vestuario y la caracterización. El peinado es sugerente: rapados los costados, en la parte posterior lleva trenzas terminadas en canutillos, no sé si aluden a su rango de comandante.

Hay tibias alusiones al mundo antiguo cuando vemos que en Furia, en la Basilica, hay un lugar donde residen cuatro personajes curiosos, que recuerdan a las Pitonisas, pues leen la mente de aquel al que le presentan. Otra similitud se puede encontrar en las formaciones de guerra y en los escalafones.
Pero no hay posibilidad de opinión puesto que Lord Marshall instaura una tiranía donde no permite la existencia por supuesto de un senado ni nadie que pueda cuestionarlo. Estos seres no tienen salida. Una vez que son convertidos, ya no hay más vida para ellos que una eterna paleta de colores donde solo existen matices del gris y sin otra ambición más que ingresar a este mundo que otorga super poderes.
Urban elaboró muy bien su personaje, a pesar de que estamos hablando de una película que no merece un crédito extraordinario. Se lo nota permanentemente preocupado por su posición en la alta comandancia, por las intrigas que le infunde su esposa, y por superarse permanentemente a sí mismo con un dejo de gran frustración, marcada al final especialmente cuando con Riddick enfrentan a Lord Marshall para matarlo y no lo logra.
En fin, una muestra de la ductilidad actoral de Urban que por suerte es gran amigo del argentino

nacionalizado norteamericano Vigo Mortenssen.

Alexandra

LA FASCINACION POR LOS MALOS - 1

2008-05-17T16:32:00.000-07:00

Cientos de películas, cientos de villanos. Y la fascinación por los malos. De donde viene? Acaso necesitamos de ese malo muy malo para satisfacer ciertas partes oscuras de nosotros mismos? No se trata aquí de la lucha entre el bien y el mal, como una especie de dualismo antiguo, sino en tratar de discernir por que son malos. Claro que malos hay de muchos tipos: los que son malos en esencia, los que tienen la parte maligna más desarrollada que la benigna, los que eligen el mal por diversas razones pero que no son malos en esencia, los que no tienen otra opción que ser malos, los buenos que encubren su maldad. Puede ser una visión simplista, pero al menos en lenguaje cinematográfico estas fórmulas han aceitado la máquina hollywoodense durante décadas. En los comics esto se ve perfectamente. Más allá de la lucha eterna entre buenos y malos, están los patológicamente malos. Dirán que es obvio que todo héroe necesita una contracara, pero podría argumentar que el mismo héroe es su contracara. En muchas circunstancias de mi vida he notado que las personas se inclinan con fascinación por el personaje malo, cruel, terrible. Y si hay dos o más, votan por uno, con diferentes argumentos.

Caso Predator y Alien: es costumbre de Hollywoood realizar un guión, llevarlo a la pantalla y si tiene éxito hacer la secuela. Pero peor costumbre es enfrentar en un film a dos villanos. Esto pasó con varios, pero en este caso, aunque no esté de acuerdo con hacer semejantes guiones, me sirve para mostrar a estos malos de película, y nunca mejor aplicada esa palabra, para ver cuán malo es uno y otro o si realmente alguno de ellos es malo.

Ya en la historia original nos queda bien claro que cosa son los de la raza de Predator. Es un alienígena con una cultura superior a la nuestra. Vienen a la Tierra periódicamente para inspeccionar cómo reaccionan los humanos frente a la violencia o si ésta sigue vigente en las culturas humanas. Porque la detestan. Porque no entienden el razonamiento humano. Porque no logran captar que es lo que hace que los humanos se maten entre sí. Y se transforman en cazadores de humanos malos. Hay una especie de búsqueda de respuesta en la forma craneal, de hecho en su nave llevan una especie de vitrina al estilo museo galáctico donde exhiben los cráneos de seres de otros planetas que están allí estaqueados seguramente porque obraron mal. Pero en el caso del hombre lo que acucia a Predator es entender como funciona su cerebro, que hay dentro del cráneo. De ahí la pregunta existencial clave en la primera película, cuando el héroe al verlo sin la máscara, con el rostro revulsivo le pregunta: "Quién eres?" y Predator le responde con la misma pregunta.

Eso no los exime de ser una máquina perfecta de matar. Pero luego de ver la original y las dos secuelas, nos damos cuenta que esta raza de alienígenas advierte que el hombre no tiene cura: es un ser violento que vive violentamente y que destruye su planeta y a sus congéneres. Predator además de tener una gran cultura y cimentada civilización, que incluye conocimientos muy amplios, sin mencionar sistema de escritura, no es un ser que precisamente "depreda" todo planeta para sobrevivir puesto que ya tienen el suyo con su propia cultura, lo que depreda es al ser humano que se comporta mal. No es un parásito que va de planeta en planeta consumiendo recursos naturales para sobrevivir exterminando a los entes que viven en él y abandonandolo una vez que lo agota, es una especie de "observador": allá donde detecta violencia, va para aniquilar a los violentos y dejar una enseñanza. En ningún momento, al menos a mí, me despertó terror o miedo. Me mueve a pensar la condición humana. El hombre es el peor depredador de esta galaxia. En la segunda película la escena de los jamaiquinos masacrados es reveladora. Predator entiende perfectamente que es lo que está pasando. Y lo resuelve con su propia lógica (estemos o no de acuerdo): la única vía para esta gente es matarlos. En la versión del enfrentamiento con Alien vemos que en una época lejana, los de su raza tuvieron que construir una especie de cárcel en el polo para los malditos alien que venían a la Tierra para inseminar a los humanos y propagar su progenie no se salieran de ella y causaran estragos.

Alien es otro tipo de ser galáctico, un ser asqueroso, repugnante, revulsivo, en parte insecto, cuyo único fin es exterminar todo lo que tiene a su paso y tomar todo ente viviente para inseminarlo y continuar con su progenie. Este ser genera repulsión, es como un maldito al que todos queremos aniquilar. Despierta el deseo de pulverizarlo a como sea. Y logra su fin psicológico: aterroriza, espanta, genera pavura. Es una especie de maldición que cargan los que se topan con él. El único que puede detenerlo es precisamente Predator. De ahí el éxito de la película que los enfrenta. Alien difiere muchísimo de Predator, podríamos decir que Alien representa lo salvaje absoluto, la absoluta "otredad" detestable, Predator simboliza la cultura, lo civilizado, lo que está dentro de un marco de orden preestablecido (estemos o no de acuerdo con ese orden). Sin Predator, Alien y su progenie hubiera consumido a todos los habitantes de la Tierra. Por que la gente votó siempre a favor de que gane Predator en esta batalla? Porque los de su raza tienen código.

En el enfrentamiento, vemos claramente la diferencia. Matar por matar, o matar por una razón. Y en el final de la película del enfrentamiento, para darnos esa rabia terrible segundos antes de que termine, vemos la escena donde la semilla de un alien se aloja en el cuerpo del Predator muerto en la batalla en el Polo... pero yo me quedé tranquila: estando este alien ahora como parásito en la nave de los predadores, no le va a quedar mucho de vida, porque éstos tienen recursos como para aniquilarlos y que no se propaguen nuevamente por la galaxia.

Me preguntarán si admiro a uno? Y si, soy público que consume después de todo. Voto por Predator.

Alexandra

Matrix vs. Equilibrium vs. Farenheit 451 - Parte 2

2008-04-24T11:57:00.001-07:00

Mejor una imagen que cien palabras.

Better a picture than hundred words.

Les parece familiar?

Does it looks familiar?

Pasen y vean!

Go ahead, must see it!

Diferente escenario, igual situación.

Another background, same situation.

Alexandra

Matrix vs. Equilibrium vs. Farenheit 451 - Parte 1

2008-04-07T22:24:00.000-07:00

Cuando falta la imaginación, buenas son los clones. Quiero aclarar que no me ha gustado Matrix, y mucho menos Equilibrium. No entiendo aún el éxito de Matrix, lo único que me gustó es el empleo de una nueva estética visual basada en la Steady Cam 360º y otros efectos computarizados. Cuando vi Equilibrium, vi un desviado clon de Matrix y Farenheit 451.

Matrix realmente recargado:
The Matrix (1999) es una película de ciencia ficción escrita y dirigida por Larry y Andy Wachowski y protagonizada por Keanu Reeves, Laurence Fishburne y Carrie-Anne Moss. En esta película se hizo popular el "bullet time" (tiempo bala), técnica que consiste aparentar que se congela la acción mientras la cámara sigue moviéndose alrededor de la escena. El efecto visual se consigue utilizando múltiples cámaras que graban la acción desde distintas posiciones a una cantidad elevada de fotogramas por segundo, posteriormente se intercalan los fotogramas de cada una de las cámaras.

Resumen de argumento:
Thomas A. Anderson (Keanu Reeves) de día es programador informático y por las noches un hacker que utiliza el alias de Neo. Se pasa la vida buscando a una persona, Morfeo (Laurence Fishburne), y la respuesta a una pregunta: ¿Qué es Matrix?.
Morfeo y los suyos, al darse cuenta de que sus enemigos están buscando a Neo, deciden entrar en contacto con él. Otra hacker, Trinity (Carrie-Anne Moss), le conduce hasta Morfeo y la respuesta que busca. Pero para obtenerla debe renunciar a su vida anterior y a todo lo que había conocido antes. Acepta y se traga la pastilla roja (en vez de la pastilla azul, que supondría quedarse donde está).
Neo descubre que el mundo en el que creía vivir no es más que una simulación virtual a la que se encuentra conectado mediante un cable enchufado en su cerebro. Los miles de millones de personas que viven (conectadas) a su alrededor, están siendo cultivadas del mismo modo para poder dar energía a las máquinas. Esta ilusión colectiva (o simulación interactiva) es conocida como Matrix.
El grupo de rebeldes del mundo real que lidera Morfeo rescata a Neo de la cosecha de personas donde se encontraba preso y Morfeo le explica en qué consiste la realidad: se encuentran cerca del año 2199 y la humanidad está esclavizada por las máquinas, que tras el desarrollo de la Inteligencia Artificial se rebelaron contra la humanidad y ahora emplean a la especie humana como fuente de energía. Morfeo también le cuenta a Neo que cree que él (Neo) es el elegido. Este elegido, según la profecía, será el encargado de liberar a la humanidad de la esclavitud a la que está sometida. Además, será capaz de cambiar Matrix a su voluntad y dará la victoria a los humanos. Éstos tienen su base en Sión (ciudad subterránea bastión de la resistencia humana).
El mundo virtual de la Matrix, se convierte en el campo de batalla donde Neo tendrá que combatir contra los agentes de Matrix, que son unos programas en forma humana capaces de poseer a cualquier habitante de Matrix que la resistencia no haya liberado. Éstos intentan impedir que los rebeldes rescaten a las personas que están conectadas, y en particular contra el temible Agente Smith. En este mundo virtual, los seres humanos que son conscientes de la verdadera esencia de lo que les rodea, son capaces de desafiar parcialmente las leyes físicas y realizar hazañas asombrosas.
Cuando van a desconectar a Morfeo (para que las máquinas no obtengan los códigos del ordenador central de Sión) Neo recuerda las palabras del Oráculo y decide ir a rescatarle. Tras intentar disuadirle, Trinity le acompaña. Después de una espectacular lucha contra los soldados y agentes que custodian el edificio donde Morfeo está detenido, consiguen liberarlo.
En la escena final Neo está de vuelta a Matrix, y habla por teléfono (sabiendo que Matrix interviene la llamada) para decirle a las máquinas que ahora las cosas van a cambiar y que va enseñar a la gente "lo que no quieren que vean". Un redentor más.

Equilibrium clonó a Matrix (mal)
Se copió la estética visual de Matrix. En el caso del vestuario: Neo y Preston son muy similares. Las posturas del protagonista, el clérigo John Preston, parecen calcadas de las icónicas poses de Neo. Entre Neo y Preston hay nexos íntimos. En lo visual, vestuario y caracterización, se acercan considerablemente. Se persiguió la ausencia de expresión, el cabello muy corto y con abundante gel, anteojos oscuros, trajes negros con chaquetas largas entalladas a la altura de la cintura, ausencia de colores o claroscuros. Otro punto de coincidencia es la misión del protagonista: este es un ser convertido en "otro". Tanto Neo como Preston fueron personas comunes y en un momento dado fueron transformados, con otra identidad, para cumplir una misión.
En ambos filmes recomiendo prestar atención a los nombres de lugares, personas o cosas. No les parece sugestivo el juego de palabras entre "Equilibrium" y la ciudad totalitaria llamada "Libria"? Qué quisieron decir con ese símbolo de dicha ciudad que recuerda a una svástica? La preeminencia de la letra T proviene de "Tetragrammaton", y no sé si quisieron tomar algo de los pitagóricos, aunque realmente no creo que les haya dado para tanto.

Ahora recuerdo la película "Demolition Man" (1993) con Sylvester Stallone, Sandra Bullock y Wesley Snypes. Acá el tema es que un gran policía y un gran asesino son puestos en criogénesis hasta que los despiertan en la Los Angeles del 2018, una nueva ciudad, una nueva sociedad, basada en el principio del bien y la educación, donde todos visten igual, todos se comportan igual, todos persiguen un fin común: ser felices. Como? Mediante la ilusión de un mundo falsamente feliz. Hay sanciones de todo tipo: no solo de comunicación (no se puede hablar mal o decir malas palabras) de relación (no se pueden establecer amistades, el sexo se tiene virtualmente, no hay matrimonios) de política (no hay elección puesto que es totalitarismo) Tenemos al manipulador de este nuevo orden totalitario, que mantiene a la sociedad anestesiada con su doctrina de un mundo mejor. También están los sediciosos, los marginales que viven en los subsuelos de la ciudad, esperando derrotar al régimen. Demasiado parecido todo, no? Perdonen la disgresión.

Todos los caminos conducen a Farenheit 451
Fahrenheit 451 era una novela distópica publicada en 1953 por Ray Bradbury. El título Fahrenheit 451 hace referencia a la temperatura a la que el papel de los libros se inflama y arde (233º Celsius). La historia fue llevada al cine en 1966 por François Truffaut. Su título inspiró además el del documental de Michael Moore Fahrenheit 9/11.
Farenheit 451 es una obra maestra en su género. Su trama: en un futuro no muy lejano, un cuerpo de bomberos, con el anagrama 451 en el casco, conduciendo vehículos con apariencia de salamandra, no se dedican a extinguir fuegos, si no a provocarlos. Un millón de libros han sido prohibidos, libros que se contradicen entre sí, que sostienen argumentos opuestos, y que por ello impiden que la gente sea feliz. El protagonista, Guy Montag, y la brigada de bomberos, acuden a la emergencia de cada propietario de libros localizado, con las salamandras y las mangueras que lanzan petróleo, para incinerar hasta la última hoja.
FAHRENHEIT 451 esconde una cruda crítica a la sociedad norteamericana después de Hirosima y Nagasaki, cuando a toda costa había que conservar la ilusión de que el mundo era maravilloso y feliz, que las opiniones opuestas eran incinerables y la vida agradable era el único y verdadero objetivo a preservar. Montag, es un miembro de esa farsa en precario equilibrio, un equilibrio que se rompe al conocer al salvaje, el inadaptado, el insocial, el que, descubre paradójicamente, posee una vida mucho más satisfactoria. En ese descenso de Montag/Bernard encuentra que no se halla solo, si no que, clandestinamente, ese distinto orden social subsiste como parias a ojos de la civilización pero como héroes a sus propios ojos.

Equilibrium (2002)
Equilibrium es una película del director Kurt Wimmer. El film se sitúa en un futuro después de la Tercera Guerra Mundial, con la humanidad privada de las emociones por efecto del 'prozium' la droga que dopa a las masas y del arma más poderosa que el hombre mismo puede crear: él mismo.
Para vigilar y detener a los ofensores sensoriales, el gobierno (un sólo patriarca llamado 'padre' y un consejo) ha designado una unidad conocida como la "Clerecía Grammaton" para vigilar y contener la humanidad dentro de cada ser viviente en 'Libria'. Al frente de esta unidad, se encuentra el "clérigo tetragrammaton" John Preston quien comienza a comportarse extrañamente después de evitar sus dosis de prozium: ha comenzado a sentir.
Hay muchos paralelismos con la obra de Aldous Huxley Un mundo feliz: El estricto uso de uniformes para cada oficio y trabajo. El hecho de que la sociedad a primera vista parezca utópica, gracias al sacrificio de docenas de valores humanos. El uso de la letra T como un simbolo sagrado.
A éste respecto, en uno de los pasajes de la cinta el 'Padre' dice que ellos no curaron la enfermedad, erradicaron los síntomas; estos síntomas según ellos, son el odio, la ira, la tristeza, todas las emociones humanas que invariablemente causan una reacción; pero ¿cuáles son los agentes de esta enfermedad? Todo lo que recuerda la humanidad a unos seres que sólo conservan las expresiones sentimentales como un vestigio de historia.
Por esa misma causa los disidentes, seres que son aún capaces de sentir viven en los 'abismos' de esta ciudad distópica, hogar de una sociedad mecanizada; aprecian aún la belleza de las cosas por más sencillas que sean, sienten aún las pasiones y afectos típicos del ser humano y por ello son perseguidos (hay algunas escenas en particular: la quema de la Gioconda, el momento en que Preston liberado de la dosis de Prozium se pone a escuchar a Beethoven, el momento en que Preston llora al ver al paisaje matinal de la ciudad hecho con un grandioso CGI y al adoptar a un cachorro de perro San Bernardo. Aún cuando las cosas no son fáciles para los disidentes, han logrado apoderarse de la mejor arma, el clérigo Preston, el mejor de entre los enemigos, quien sintiendo en secreto se inmiscuye en una maraña de engaños hasta descubrir la verdad.
En cierto punto al principio del filme, un superior del clérigo Preston le pregunta que fue lo que sintió cuando aprehendieron a su esposa (por crimen sensorial) a lo que el responde muy consternado después de pedir que se le explique la pregunta 'No sentí nada'. Ya casi al final del mismo, el hombre que rige sobre Libria le hace saber las razones por las cuales lo dejó libre aún cuando el sabía que John Preston podía sentir: necesitaba un hombre que fuera capaz de sentir pero sin que él mismo lo supiera. Un hombre que fuera al mismo tiempo héroe y verdugo.

Esta coproducción germano americana es uno de los tantos clones surgidos en la era post Matrix. El concepto básico puede resumirse como Fahrenheit 451 encuentra a Matrix. Mientras que en Fahrenheit 451 el régimen totalitario de turno ha suprimido la palabra escrita (lo cual tiene cierto sentido, evitando la transmisión de ideología), aquí el concepto es llevado más allá hasta la supresión de cualquier clase de sentimientos. Sin duda hay un montón de desgastados clishés que se han visto montones de veces en otros filmes, como las sociedades uniformadas, las pantallas gigantes con videos doctrinarios, las siglas T del Tetra Grammaton formando una seudo svástica, y la actitud tipo Gestapo de los Clérigos. Pero hay algunos momentos inspirados, en especial en las escenas de Preston con sus hijos, que parecen estar tan adoctrinados y dispuestos a denunciarlo al régimen si no toma su ración diaria de Prozium, que transmiten cierta sensación de paranoia urbana.

El argumento padece de grandes disparates: ante la supresión de emociones, cómo se dan los encuentros sexuales o las uniones matriominales?. Hay errores imperdonables en el guión: en un estado totalitario donde cada individuo es monitoreado las 24 hs, cómo es posible que no tengan en sus hogares cámaras las 24 hs? Acaso cualquier individuo no puede sentir la pulsión de no tomar el prozium y volver a sentir humanizándose súbitamente?

Wimmer, el director, al menos evitó el uso del "bullet time", popularizado por Matrix, y desarrolla una serie de coreografías excitantes. Pero incurre en conceptos absurdos como el uso de armas blancas japonesas medievales usadas por los clérigos para realizar proezas
Wimmer decide caer en la obviedad del final feliz, incluyendo personajes que cambian súbitamente de actitud - como el hijo de Preston, del cual el argumento no nos explica cómo decidió dejar de tomar Prozium y humanizarse - y eligiendo vías fáciles para llegar a una conclusión expeditiva que deje conforme a la platea. Si el director hubiera tomado el camino contrario - sin incluir numerosos Deux Ex Machina -, Equilibrium podría haberse salvado.

Nadie se salva
Si después de Farenheit 451 vienen los clones, cuál es el valor de estos films?
Continuará
Alexandra

Sobre "300" - Lo histórico y la ficción

2008-01-16T14:53:00.000-08:00

Leonidaion. Tumba de Leónidas.

Museo de Esparta. www.laconia.org

Fragmento de estatua de mármol, representando probablemente a Leónidas. Museo de Esparta. www.laconia.org

Detalle pintura en crátera, corintia, ca. 580 a.C.

Musée des Antiquités Classiques de Bâle.

Bajorrelieve, detalle de espartano.

Fresco, detalle, hoplita.

Estatuilla de bronce. Espartano. Ca. 500 a.C.

Obra maestra llamada "Guerrero Agonizante".

Detalle del frontón oriental del templo de Atenea Afaya en Egina, siglo V a.C.

Detalle de espartano. Cerámico pintado.

Vaso Chigi. Ca. 650 a.C. Villa Giuglia, Roma.

Museo Nazionale Etrusco.

En este vaso se aprecia la formación de combatientes al ritmo del flautista.

Lo histórico y la ficción en "300"

Este film se inspiró en un hecho histórico, pero se le agregaron elementos de ficción. El eje es la Batalla de Termópilas, fechada en agosto del 480 a.C. Desde dicha época la gesta de los 300 espartanos comandados por Leónidas se convirtió en una hazaña y al poco tiempo transformada en leyenda. Para comprender un poco la sociedad espartana, he aquí un resumen y las licencias que se tomó el autor del cómic, glosadas.

Esparta

Licurgo, el legislador, entregó al pueblo espartano la "retra"; un código que estructura al estado en función del establecimiento de un ejército eficaz. Para orientar al ciudadano al ejercicio de las armas, y teniendo en cuenta que la economía está basada en la agricultura, se le concede, desde el nacimiento, un lote de tierras que, en teoría, es igual al del resto de los ciudadanos, no en extensión sino en producción. A ese lote de tierras (kleroi) de dos grupos: los "periecos" que poseen poder económico, y que monopolizan el comercio pero sin injerencia política; y los "homoioi" (los iguales), espartanos de pleno derecho, y dedicados primordialmente al oficio de las armas.

La forma de gobierno era la Diarquía: Dos reyes (uno de la familia Agíada y otro de la Europóntida) comparten el poder. Sus principales funciones las ostentarán en periodos bélicos (pero siempre sujetos a la autoridad de las instituciones espartanas); tienen el mando absoluto del ejército (tras la época clásica dos éforos acompañarán al rey en campaña llegando, incluso, a tomar decisiones militares). Ejercen funciones de general y sacerdote. Ocupan el puesto de mayor honor en la falange, el más expuesto, en el extremo derecho de la primera fila. Recibían honores de héroe en sus funerales; excepto los caídos en combate, las mujeres fallecidas durante el parto y los diarcas. Los enterramientos se realizaban inhumando al difunto envuelto en un sudario rojo y hojas de olivo, además de disponer de una lápida sin epígrafe. En estos tres casos sí llevaba epígrafe.

Eforado- Son cinco los éforos, nombrados por la Apella anualmente. No se conoce bien el proceso de su nombramiento. Progresivamente van asumiendo más funciones a la largo del siglo V a.C. producto del excesivo protagonismo de algunos reyes y del mal uso de las fuerzas militares. Mantienen el orden y velan por la seguridad interna (son los que organizan la "krypteia" y declaran anualmente la guerra a los heliotes). Podían decretar la expulsión de extranjeros (Xenelasia) si lo consideraban oportuno. Reciben a los embajadores y deciden si los escuchará la Apella. Determinan junto a ésta la movilización del ejército y se preocupan del reclutamiento.Tienen potestad para hacer rendir cuentas a todos los magistrados.

En el film los éforos son visualizados plásticamente como ancianos decrépitos, de aspecto repugnante, que se encuentran en el templo donde está el oráculo, en la cima de un monte, aislados por completo. Ellos son los que le recomiendan a Leónidas que durante las fiestas de la Carneia no se debe ir a la guerra, hecho que históricamente es verídico.

Gerusia: Está compuesta por los diarcas y veintiocho miembros escogidos por aclamación por la Apella entre los ciudadanos de más de sesenta años con un pasado intachable. Su función política es principalmente deliberativa y de consejo, aunque también preparan el orden del día a tratar en la asamblea de iguales. Sin embargo, su función por excelencia es judicial: conforma los tribunales de justicia.

En el film aparecen como una especie de senado, ante ellos se presenta Gorgo para debatir acerca del envío de ayuda para Leónidas.

Apella.- La conforman todos los ciudadanos de pleno derecho y sus reuniones son mensuales. Su única función es la aprobación o no, por aclamación, de los puntos que les proponen aquellos que tiene derecho a la palabra.

EDUCACION MILITAR

El sistema educativo llamado "Agogé" tenía estrictos valores morales a seguir,
La educación militar comienza en el instante del nacimiento, durante el cual una comisión de ancianos determina si el niño es apto o no para formar parte de los Iguales. Si el niño no es apto se le sacrifica exponiéndolo en las faldas del Monte Taigeto. Si es apto, sólo permanece en el hogar paterno hasta los siete años en que pasa a formar parte de unas unidades llamadas Agelai con niños de su misma edad. Disciplina, obediencia y fortaleza (física y moral) eran los principios que regirían toda su vida.

"Paidonomo" era el que dirigía la educación, una especie de supervisor, el castigo era llevado a cabo por el "Mastigoforos" (portador del látigo) frente al altar de Artemis Orthia.

En el film esto se exalta en la figura de Esfialtes, cuando sus padres al notar los defectos físicos del niño, lo abandonan, y éste, resentido, sobrevive aislado en los montes hasta que se encuentra con Leónidas rogándole por ingresar a las filas, hecho que por su ineptitud física Leónidas rechaza y ante el despecho, indica a los persas un camino para tomar por sorpresa a los espartanos. La figura del traidor en Termópilas es históricamente verídica.

En cuanto al entrenamiento en la primera parte del fim vemos como el padre de Leónidas le instruye en las armas hasta que a los siete años es tomado para comenzar su carrera militar, y comienza por ser abandonado para aprender a sobrevivir en la famosa escena del lobo amenazante.

A los doce forma parte de otro grupo en el que poesía, música y ejercicios físicos marcan su educación.
A los dieciocho el entrenamiento militar monopoliza su vida y a los veinte alcanza la mayoría de edad ingresando en los "sisyttia", o comidas comunales, y en las cuales permanecerá mientras viva. Con ésta institución se busca crear unos lazos entre los integrantes con una proyección eminentemente militar.
A los treinta años se inicia en el desempeño de las tareas públicas; en un principio a través de la "apella", o asamblea de los Iguales, cuya única función es aceptar o rechazar las propuestas que se le hacen por aclamación. Kripteia, los jóvenes espartanos se internan en tierras de los heliotes con un puñal y el alimento necesario matando a algunos de ellos por la noche

ESTRUCTURA DE LA FALANGE

Tucídides estableció la formación en ocho filas, cuatro "enomotias" formaban una "pentekostis", que era comandada por el "pentekonter", cuatro "pentekosteis" formaban un "lochos" (regimiento) bajo la orden del "lachagos", y estima que tuvieron hasta siete "lochois".

Jenofonte en cambio habla de doce filas, cada dos filas una "enomotia, dos "enomotiai" formaban la "pentekostis" y dos "pentekosteis" formaban un "lochos". Cuatro "lochois" formaban una mora (regimiento) comandada por un "ptolemarcos", seis "morae" constituían un ejército. En total estimaba que sumaban mil hombres.

El mando lo tomaba el del extremo derecho de la fila. La falange se formaba convencionalmente en cuatro columnas con dieciséis filas de ancho y ocho de profundidad, entre cada columna dejaban un espacio de dos metros. El rey en persona daba la orden directamente al ptolemarcos, y éste a los delegados pero como los cascos impedían una buena audición, recurrieron mayoritariamente a gestos.

En el film hay tres personajes importantes al lado de Leónidas: el Capitán, Dilios y Stelios. El tema es comprender cuál de ellos podría ser un diarca, por el compromiso con el rey parece ser que ese rol lo cumple el Capitán. Los otros dos podrían ser polemarcas.

En combate, la falange avanza pausadamente al son de la flauta doble mientras los hoplitas entonan una arenga constante, no tenían canto de guerra porque no lo consideraban necesario.

Esto en el film se ve claramente en la escena en que van a la batalla, cuando Stelios marcha adelante tocando la doble flauta. En cuanto a la falta de canto de guerra siguieron fielmente el registro histórico, gritando solamente la arenga: "huh".

La cuestión de protección del lado izquierdo: el escudo sobresale por el lado izquierdo del infante para cubrir la región desprotegida de su compañero de la izquierda. De ese modo, los escudos se van solapando a lo largo de la línea formando un frente continuo. Sin embargo, el hoplita situado en el extremo de la derecha no recibe la protección del escudo de un compañero que estuviera situado a su derecha, así que, buena parte de la eficacia de la falange dependerá de la entereza y el valor de éste hoplita. Este será el puesto en que sirvan los reyes espartanos, el puesto de mayor honor.
La colisión: Cada individuo habría elegido un blanco para el momento del choque, con la intención de introducir la punta de la lanza en el resquicio existente entre un escudo y otro y tratando de acertar . Conforme la segunda y sucesivas filas se apiñaban por efecto del encontronazo, la falange, al unísono, echaba el peso de siete hombres sobre la espalda de los de la primera fila en colisión con el enemigo y bajo ese impacto algunos hombres caían inevitablemente muertos, heridos o aplastados por los de atrás; ello podía crear una brecha en el muro de escudos, y los de las filas segunda y tercera se esforzaban por ampliarla con las lanzas, lanceando desde su posición relativamente protegida.

En el film esto se ve claramente en la primera colisión contra los infantes persas, solamente que no se aprecia rompimiento de escudos o lanzas, debido a la fuerza de impacto esto sería muy probable pero no fue considerado.

Si la brecha se ensanchaba, se producía el "othismos" o "desplazamiento hacia la derecha", fenómeno producido por la protección constante del lado izquierdo del combatiente.

A fuerza de repetidos empujones y a la orden del rey se daba el mayor empuje para dar crear más espacio y poder desenvainar la espada, segunda arma del hoplita, y propinar tajos en las piernas del adversario; pero conllevaba peligro pues podía producir la "pararrexis" o "rotura" cuando aquellos más fuertemente apurados por la presión del enemigo cedían, deshaciendo las filas de atrás o, lo que era más humillante, trataban de retroceder.

En el film en esta primera escena de encontronazo de filas se respetó esta táctica espartana y los actores la lograron gracias a la coreografía y el entrenamiento. Pero si por causas del enfrentamiento se abría una brecha la formación instantáneamente se unía en un bloque impenetrable y continuaban matemáticamente con el avance.

La vestimenta espartana

Llevaban un manto rojo llamado "tribón", es una de las características del ejército espartano. Lo utilizaban durante la marcha, no en combate.

Durante la filmación se tomó la licencia de dejar los mantos durante la batalla sobre todo para lograr efectos visuales impactantes, en una secuencia de la primera batalla, Leónidas ejecuta un golpe con su espada acompañado por el vuelo de la capa, esto se hace para lograr un efecto artístico contundente.

LAS ARMAS ESPARTANAS
ASPIS.- Escudo circular de 110 cm. de diámetro. Formado por un gran cuenco y un borde muy reforzado casi plano (de modo que podía apoyarse sobre el hombro izquierdo). Se componía de láminas de madera encoladas entre sí. El interior se forraba de cuero fino, llevaba una embrazadera de bronce en el centro que iba remachada llamada "porpax"y una agarradera de cuero en el borde. El exterior del escudo podía ir cubierto de una lámina de bronce o ir pintado y decorado con un motivo de lámina del mismo material. Pesaba 9 kg aproximadamente. El motivo que distinguía a los espartanos era la lambda que llevaban pintada en el escudo: la inicial de Lacedemonia.

DORU.- La lanza medía entre 2 y 2, 7 metros, su asta era de madera de cornejo y, la punta, era de bronce, hoja lanceolada. Poseía también una contera o regatón metálica para atravesar al caído o apoyarla en el suelo con objeto de resistir una carga de caballería. Su peso se estima en 1,5 kilos. La lanza tenía unos dos centímetros y medio de diámetro.
En una formación en falange, los hoplitas de las dos primeras filas empuñaban sus lanzas por encima de sus escudos, de tal manera que el infante la llevaba en una posición que se situaba por encima de su propio hombro derecho. Podía golpear así en diagonal hacia abajo.

El regatón o contera también servía como arma ofensiva, y se solía utilizar para ir rematando a los enemigos que quedaban yacentes a medida que la falange avanzaba. Asimismo, se podía clavar el regatón en el suelo, en los momentos de descanso o en los campamentos. Por otro lado, servía de contrapeso a la punta de la lanza, y permitía que se pudiera empuñar hacia el tercio posterior del asta, lo que conllevaba que sobresaliera más por delante de la formación de hoplitas.

CASCO- bronce de modelo corintio forrado en su interior de fieltro o cuero. Peso estimado: 2 kg. Problemas: no permitía visibilidad lateral y poca audición.
A menudo se adornaban con una crin de caballo, bien directamente sobre el casco, bien con un soporte especial que se colocaba en la parte superior.

GREBAS – bronce con articulación para parte posterior de rodilla. Las grebas o espinilleras griegas se ajustaban a la pierna no con correajes –como el tipo rígido- sino como una pinza, envolviendo la pierna casi completamente. Se ajustaban por la elasticidad del bronce. Servían tanto para los ataques con flechas que pudiera sufrir la falange, guarneciendo un zona con poco músculo como es la tibia, así como para parar los golpes bajos de espada o lanza en la primera fila.

KOPIS - una espada corta de 65cm de largo que constituía el arma de reserva caso de que se consiguiera romper la línea enemiga o perder la lanza en batalla, tiene una leve curvatura en la hoja.

XIPHOS - espada de hierro de doble filo y hoja recta, algo abultada hacia la punta. Su longitud, contando la empuñadura, no sobrepasaba los 30 cm. Solía llevarse colgada de un talabarte, que se sujetaba en el hombro, cruzando el pecho. La espada se utilizaba cuando la lanza se había roto, de forma especial en las primeras filas de combatientes. Con la espada se podía cortar el asta de la lanza de los enemigos: al quedarse sin una formación erizada de lanzas, la falange era más vulnerable ante otra formación, puesto que las lanzas de esta última impedían acercarse a los combatientes, de ahí la necesidad de cortar las lanzas del enemigo con la espada. De la misma forma que sucedía con la lanza, la lucha con espada beneficiaba a los más altos, por la longitud de sus brazos, que permitía golpear a una distancia mayor del combatiente enemigo.

Nos narra Herodoto que los espartanos, antes de la batalla de las Termópilas “..algunos de los cuales se dedicaban a realizar ejercicios gimnásticos, mientras que otros se peinaban” (Herodoto, VII, 208).
El pelo: solían llevarlo largo, y peinárselo antes del combate Llevar el pelo largo era un arcaísmo dentro de las ciudades griegas, y un signo distintivo de los hoplitas espartanos.

En el film aparecen algunos espartanos con cabellos largos sin peinar, esto es una licencia ya que en el campo de batalla esto podría ser un problema pues molestaría las maniobras con la lanza.

Leslie Cheung, el que no quiso seguir viviendo

2008-12-02T05:42:00.000-08:00

Todos extrañamos a Leslie, y esa sensación de vacío que se produce luego de ver alguna de sus películas, se trata de subsanar con un escrito breve como este, en un humilde blog, para recordarlo y seguir queriéndolo. Cómo no seguir adorándolo! Era sencillamente delicioso. Mucho se dijo, dice y dirá sobre él en la red por lo tanto no sé cuánto más pueda agregar, simplemente recordar que nació en Hong Kong el 12 de setiembre de 1956 y se mató el 1º de abril de 2003 arrojándose desde el balcón de su suite en el piso 24 del Mandarin Hotel del centro de Hong Kong con una nota en su ropa, en donde declaraba que padecía mal de amores. Su pareja, Tong, declaró que padecía depresión y aunque era tratado por psiquiatras, y que ya había tenido un intento de suicidio en el 2002.

Nacido con el nombre de Fat Cheng Cheung, y apodado Gor Gor (hermano mayor) y con elección de su nombre artistico por admiración al actor Leslie Howard, mostró tempranamente dotes actorales y musicales. Era el menor de diez hermanos, su padre fue el sastre del famoso actor William Holden pero la convivencia familiar se rompió pronto con el temprano divorcio de sus padres y él aseguró en varias ocasiones que esa fue su principal razón por descreer del matrimonio. Luego de haber cursado en la Universidad de Leeds en Gran Bretaña en Comercialización de Textiles, regresó a Hong Kong y en 1976 comenzó incursionando en televisión iniciando su exitosa carrera actoral.

Fue dirigido por los más afamados directores hongkoneses como Wong Kar Wai, Chen Kaige, Tsui Hark y John Woo. Luego de vivir un año en Canadá en 1992 retornó a Hong Kong y en 1997 cuando se celebró la devolución de la colonia a China, inauguró un glamoroso café.

Leslie Cheung en Adiós mi Concubina (1992)

Aparte de su carrera cinematográfica, fue un exitoso cantante pop hasta 1989, de hecho fue el primer cantante en hacer cien conciertos en el Hong Kong Coliseum en 1997. Su balada "Monica" fue coronada como la "Canción del Siglo" en 1999. En China continental fue declarado "La superestrella del cine asiático" en el 2000. En votaciones gana como favorito entre cien años de actores y actuaciones. Fue el primer actor chino en interpretar rol de homosexual sus dos películas sobre este tema lo lanzaron al estrellato: Adiós mi concubina (1992) y Happy Together (1997). Difícil es repasar su carrera cinematográfica, realizó unas 60 películas entre ellas Ashes of Time (1994), The Bride with White Hair (1993), Once a Thief (1991), A better tomorrow (1987), A Chinese Ghost Story (1987).

En cuanto a su sexualidad él declaraba que era bisexual pero su prolongada y pública relación con el actor Tong Hok Tak demostraba claramente su elección. Pero a la hora de verlo actuar poco importaba este tema. Su eximia fotogenia y plasticidad para adecuarse a diversos papeles hicieron de él un actor con marca personal.

Con todo para darnos a los 46 años nos dejó, quítándose la vida, dejando un escenario vacío.
Siempre te recordaremos, Leslie.
Alexandra

Jing Wu, rápido y furioso - Parte I

2008-11-03T09:22:00.000-08:00

Cada día me sorprendo más viendo cine de China o de Hong Kong. Descubro excelentes directores, actores, coreógrafos, camarógrafos, en fin, artistas del cine. Descubrí a Jing Wu como siempre por casualidad, viendo Sha Po Lang. Me encantó. Tiene un estilo para el wu shu impresionante. Después me enteré que ganó varias veces el título de campeón nacional en Beijing y fue inmediatamente a la pantalla grande cosechando éxitos. Me encantó saber que era de mi signo zodiacal (en eso nos fijamos las mujeres) nacido ariano, no podía defraudarme sus dotes artísticas y marciales. No llega mucho cine hongkonés a mi pais por lo que hay que estar buscando como una tarea arqueológica una película para estar al tanto de lo que se produce anualmente en dicha meca. Cada año son más las producciones que se hacen y muy buenas, por lo que uno ve, la confidencia es subjetiva ya que es parcial, pero al menos un ojo entrenado al ver una coreografía de artes marciales sabe inmediatamente con que está tratando. Y eso me pasó con Jing Wu: su rapidez letal, sus movimientos elegantes pero furiosos, me dejó atrapada y quise ver más de él.
Acá algunas escenas que muestran su destreza
1- Del film "Fatal Move" (2008) con el legendario Sammo Hung

2- Del film "Sha Po Lang" (SPL) (2004) con el fantástico Donnie Yen

3- Del film "Tai Chi Master"

Nos vemos pronto
Alexandra

Richard Roxburgh, de profesión, actor - Parte 1

2008-01-19T15:32:00.001-08:00

No es mi propósito crear un fansite, sino dar un espacio a un actor de sólida formación y con una estupenda carrera. Mi fascinación por el arte dramático me lleva a observar en los teatros o en cine el carisma de los actores y averiguar cómo se formaron y lo que hacen. El monstruo hollywoodense suele triturar a muchos de ellos, yo no los culparía, hay tanto dinero de por medio que es muy difícil resistirse a la tentación, pero lo que me parece admirable es transitar por esa máquina de sueños y continuar con la carrera artística sin que ésta se arruine. No me quiero transformar en una especie de fiscal de este actor, pero he leído en internet muchas críticas negativas a algunas de sus actuaciones en cine, lo cual me parece falto de fundamentos sólidos, y generalmente teñido por un desconocimiento de lo que es la labor actoral. Es el tema de la creación de un personaje. Roxburgh fue injustamente atacado por su interpretación de "Dracula" en el film "Van Helsing". Un actor y su actuación pueden o no gustar, esto no se puede negar, es inevitable. Pero he notado que la mayoría de los críticos de cine se atan a los clichés, y todo aquello que sale de éstos, es tomado por extravagante y extraño. El caso que traigo acá es el del cliché llamado "Conde Drácula". Desde la aparición de la novela de Bram Stoker, se han hecho cientos de películas sobre el mentado conde. Quien haya leído la novela notará con gran sorpresa que este conde es el gran ausente de la misma y tal vez en ello se puede reconocer la fascinación por el mismo. Stoker tomó elementos de la historia real de Vladislav Dracula, voivoda (el monarca militar del principado de Valaquia en la antigua Rumania del siglo XV) con elementos de su época. Y a su vez, todo su discurso fue reinterpretado por guionistas y directores de cine, para construir la imagen de Dracula, la cual quedó fijada a fuego con la interpretación de Bela Lugosi en 1931. Y luego sucedió un fenómeno: cuando en 1994 Francis Ford Coppola decidió hacer el film ajustándose al máximo a la novela de Stoker, y Gary Oldman interpretando este rol, se produjo un nuevo molde, considerado único e irrepetible, por lo cual quita la posibilidad a otros actores de crear. Resumiendo: si no ven un Dracula según Lugosi o según Oldman, no es Dracula. Esto le pasó a Roxburgh. En muchas entrevistas confesó que deseó hacer su propia composición del personaje, sin teñirlo con los matices de otros actores. El fenómeno según mi criterio se halla en la visualización de Dracula. Como le quitó el "barroquismo" de Oldman, y la formalidad europea ahistórica de Lugosi, su interpretación fue tildada de "mala", lisa y llanamente. Será porque en el film solamente dos veces muestra los colmillos y sus ojos en vez de rojos se vuelven blancos como los de los perros siberianos? Será porque despojó de todos los elementos que la gente se empeña en adjudicarle a Dracula? Será porque una sola vez toma la cruz y ésta se le incendia en la mano? Será porque una estaca no lo mata? Será porque se vistió sencillamente con una chaqueta abrochada con alamares y unas botas de caña alta sin mayores adornos salvo una hebilla que sujeta su espeso cabello castaño oscuro? No se lo perdonaron. Cómo no iba a llevar túnicas extrafalarias, morder cuellos a cada instante, hipnotizar a todo el que desee, moverse según lo indica Oldman o Lugosi? Ahora Dracula dejó de ser él mismo para ser Oldman o Lugosi. Y si alguien como Roxburgh se atreve a hacer algo totalmente diferente, no se lo perdonan. Continuaré luego con esto, defendiendo con fundamentos la interpretación monumental de Roxburgh.

Horst Buchholz, el James Dean alemán

2008-07-16T07:45:00.000-07:00

Estuve pensando en muchos actores, que despertaron admiración en mí, y me vinieron varios nombres a la cabeza, pero me detuve en Horst Buchholz, porque tuvo ese "no se qué" que siempre me atrapó y me gustó en cuanta película pude verlo. Y noté que está un poco olvidado así que lo menciono aquí en este corto relato, dándome cuenta que pasaron cinco años de su muerte.

El fenómeno hollywoodense engulle a toda estrella o astro que surga en Europa o en otro continente, enceguece con sus luces y no nos permite ver a grandes actores, guionistas, dramaturgos o cineastas que hacen una tarea impresionante fuera de los Estados Unidos. Si el artista proviene de Europa, se destaca su carrera solamente cuando conquista Hollywood que si bien es la Meca del Cine, es también el Cementerio de Personas. Muchos consiguieron zafar de las garras de este monstruo y permanecer con una carrera estable sin terminar en una desgracia. Horst Buchholz fue un ejemplo de supervivencia en un país que le era ajeno. Permaneció fiel a su patria, Alemania, fiel a su formación europea, a sus valores y principios. Consiguió la fama en Estados Unidos y por ende en el mundo, pero siguió trabajando para el cine europeo.

Horst Buchholz nació en Berlín en 1933 y ahí murió en 2003, de padre alemán y madre danesa, de origen humilde, desde su juventud tuvo que trabajar para pagar sus estudios en escuelas de teatro. Consiguió una sólida formación, realizó varios filmes en su país por lo cual se ganó un lugar de privilegio en la escena nacional. De un estilo definido y particular, por su forma de ser rebelde y contestataria, lo identificaron inmediatamente con James Dean, y fue conocido como el representante de la rebeldía pero en versión alemana. Debutó en cine en su país en 1949 con pequeños papeles. Entre 1952 y 2002 realizó más de 60 películas de las cuales solo mencionaré tres: En 1955 ganó el premio a mejor actor en el Festival de Cannes por "Himmel ohne Sterne". En 1960 conformó el elenco insuperable de "Los Siete Magníficos", donde compartía escenario junto a Charles Bronson, Steve McQueen y Yul Brynner.

Hollywood ya era suyo. Luego fue nominado al Oscar por su labor cómica en "Uno, Dos, Tres", dirigida por Billy Wilder, y su impronta ya estaba en la mente de todos. De sólida formación teatral Buchholz tenía también una amplia cultura, hablaba con fluidez inglés, francés, italiano, español y ruso, lo que le permitió encarnar roles de diferente magnitud, con total naturalidad.

Vaya pues mi homenaje a este actor alemán.

Alexandra

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker - Continuación

2008-06-15T17:39:00.000-07:00

Tres actores, tres vidas, tres visiones para un mismo rol. La comparación es inevitable, pero la riqueza del personaje es la que da las pautas. Los villanos del cine siempre son los mejores. No hay nada más maravilloso, puesto que los buenos a veces de tan buenos, son insíspidos. Los matices que puede adquirir un villano son tantos que permite análisis desde varios enfoques. Además a todos nos gustan, no nos engañemos. Qué sería de Batman sin sus archienemigos? Un simple psicótico que cree ser un hombre-murciélago haciendo estupideces por las calles de Ciudad Gótica. A veces pienso en su inutilidad sin los malos que le hacen la vida insoportable. Imagínense "Las aventuras de Batman" hechas solo para contar la vida de este tipo que es un tanto esquizoide, no? Batman no tiene sustancia si no se agrega en el componente químico al villano. Me pregunto que habrán pensado cada uno de estos tres actores al momento de construir el personaje. Son tres actores de tres épocas diferentes, con formaciones actorales distintas y objetivos distintos. Además las condiciones que pudieron haber sentido a la hora de componer. Los directores a veces son insoportables. Y las épocas!

Empiezo por una simple descripción de los actores y su vida:

César Romero, de doble nacionalidad, cubana y estadounidense, nació en 1907 y falleció en 1994. Al principio de su carrera, debido no solo a su estampa y gran altura (1,90 mt) fue modelo, luego bailarín de salón (pero de los buenos) y luego actor de extensa trayectoria, es un peso pesado en el género. Realizó más de 130 películas, sin contar con apariciones televisivas. Algunos críticos dicen que su mejor film (por esa manía de elegir uno) fue El Capitán Castilla, de 1947, donde interpreta a Hernán Cortés. Cuando le llega el ofrecimiento del rol del Joker en la exitosísima serie Batman, César Romero ya tenía una gran carrera y prestigio ganados, lo que equivale a decir que convocarlo era un lujo para la época. La serie fue un hit. Nadie puede olvidar a este Batman (si me permiten los fans esta afirmación) insulso y tonto! Era una época donde primaba la ingenuidad y la levedad en los temas tratados en las series de entretenimiento, la psicodelia invadió todo, incluso la pantalla chica. Esta moda se ve claramente en la serie, con encuadres de cámara absurdos (rotación de plano a 45º para dar idea de desorden) saturación de colores primarios (colores netos, absolutos, contrastados muchas veces hasta lo absurdo) e inserción de cuadros de diálogo en escenas de lucha (los famosos "bam", "piff" y otros para denotar la rudeza de los golpes)... pero en cuanto a los villanos, la ingenuidad por encima de todo. Son malos pero no tan malísimos! Esta liviandad obviamente nos va a chocar contra la elaboración actoral de los otros dos "jesters". El Joker del César Romero es, en el fondo, naif. Como todo en la época. De los tres que analizaré, es el único que no tuvo desfiguración del rostro. Su marca registrada era una boca roja, muy roja, pintada con dos picos ascendentes para dar la idea de una risa perenne. Por lo demás, puedo decir que al ver nuevamente los episodios donde apareció, la actuación de Romero es impecable. Realmente el tipo era muy bueno. Sin los trucos y efectos especiales con que contamos hoy, este actor elaboró un personaje memorable. Su voz en falsete, su risa fastidiosa y chirriante, su gesto inmortal de frotarse las manos, quedarán por siempre en el recuerdo.

La pauta principal que daba este Joker eran sus bromas pesadas. Continuamente estaba pensando en matar a Batman pero no nos queda de él el sabor amargo de un villano terrible e implacable sino de un loco que pensaba sus asesinatos con el formato de una broma. Inclusive en la película que se hizo a propósito del éxito de la serie, no tenemos al Joker como lo pensamos hoy, puesto que contamos con otros actores para contrastarlo. El mérito de Romero está en su impecable actuación, locución y lenguaje gestual. Sin CGI, sin tecnología aplicada, nos deja el recuerdo del villano simple, llano, embriagado por una obsesión.

Claro, el problema es que en 1989 le tocó el turno a Jack Nicholson. Y Nicholson es Nicholson.

No se puede evitar.

Nacido en 1937, activo en la actualidad, con una carrera impresionante tanto como actor y director, comenzó su carrera fílmica en 1958, cargando con doce nominaciones al Oscar por mejor actor de los cuales se hizo con tres, y decenas de nominaciones al Globo de Oro de los cuales se hizo con siete. Contra Nicholson no se puede. Pero hay que ser objetivo. A veces me da la sensación que este actor dotado de un rostro perfecto para hacer de villano, de maldito, de ese que detestamos, se le vuelve en contra, porque cuando encarna un rol de buenito, no podemos evitar pensar en el Nicholson del Resplandor, o del Hombre Lobo. Y esto me hace pensar que si Nicholson prima por encima de sus personajes algo me está fallando puesto que la labor principal del actor es dejar de ser siempre él mismo para ser otra persona por un rato y que no lo veamos jamás. No estoy desacreditándolo, puesto que lo admiro mucho, pero si pienso en el Joker y digo "Nicholson" estoy perdida. No obstante, la recreación de este personaje fue mundial. De las constantes que analicé en la primera parte de este escrito, Nicholson es el que más puso acento a la desfiguración del rostro, con aplicaciones de látex y complicado maquillaje.
El énfasis estuvo puesto en esto.

Este es un Joker mucho más denso que el de Romero, por supuesto, un psicótico que por momentos da miedo pero no infunde ese terror que te hace estremecer. No usa falsete en su voz, pero recurre a las constantes marcas del personaje: muestra su carta comodín en una corta escena, la risa burlona y fastidiosa, el recurso a la broma asociada al asesinato. Es un Joker aficionado al arte, algo bohemio, vinculado de alguna forma al arte, pero que no muestra la oscuridad total de su vida. Hay énfasis en el absurdo, lo vemos ingresando al Museo Nacional de Ciudad Gótica rompiendo y manchando todos los cuadros de la colección porque él se erige como el nuevo modelo estético a seguir. Contamina los cosméticos para que a la gente se le arruine el rostro como le pasó a él. Desfigura a su amada con ácido en el rostro para que sea igual a él. La desfiguración de su rostro y parte de su cuerpo parece ser lo que más le afecta. Esto lo lleva a la crisis mental cuando se mira en el espejo luego de la cirugía- Es un Joker que tiene mucho de Tim Burton encima, por momentos bizarro, extrafalario, pero al mismo tiempo sombrío y sutil.

Y el problema llega con el otro actor que tuvo que componerlo, con la pesada carga de sus antecesores: Heath Ledger. Este joven, nacido en Australia en 1979, se suicidó en enero de 2008 dejando una gran pérdida para la pantalla grande, pues era un actor muy bueno, y con
prometedora carrera, que comenzó en Hollywood en 1999 y de la que nos dejó catorce films.

Se hace difícil hacer una comparación ante el hecho de que sus antecesores lograron mostrar facetas actorales a lo largo de décadas puesto que cortó su vida muy tempranamente, aunque podemos inferir su prestancia en escena a través de las películas que dejó. No sabemos si realmente tuvo como modelos a César Romero o a Nicholson, pero lo cierto es que fue dirigido por otro director, Christopher Nolan, y con otro concepto.

Este Joker elaborado por Ledger es el más denso, el más dramático, el que puso el acento en la psicología del personaje. A mi criterio, es el más oscuro de todos, el más temible. Por momentos inspira un terror y repugnancia increíbles. Este Joker muestra permanentemente el comodín, inclusive en la presentación hay planos de luces y sombras basados en esta carta, como

preanunciando de quién estamos hablando.

En una escena dice con convicción, mostrando un comodín: "This is my card". Queda clarísimo, no necesitó más. Es mucho más violento, brutal, hundido en las tinieblas de una locura maniática que los otros dos. Incluso en un momento llegamos a creer que casi logra matar a Batman. Esto indica su alto índice de peligrosidad. No está tan preocupado por hacer bromitas sencillas como Romero, o con la cuestión del arte y la estética como Nicholson. Está permanentemente sumido en la oscuridad de su mente. En la memorable escena del ataque final a Batman, en un mano a mano, lo desafía solo, hasta le grita: "Beat me!" mientras lo desmorona con una explosión. Su llegada provoca el espanto entre la gente, sabemos que estamos frente a un loco descontrolado. Hay un detalle que observé en su vestimenta: sus zapatos son más grandes de lo normal y puntiagudos, como queriendo emular al escarpín con cascabeles que lleva el joker de los naipes. Interesante.

Ledger utilizó el recurso del falsete constante en su voz. Y llega a una variedad tonal mayor que la de sus antecesores. En la desfiguración de su rostro, mucho más cruel que la de Nicholson, que es estilizada dentro de su monstruosidad, creemos ver la marca del murciélago estampada en su boca, como una crucifixión.

Resumiendo: el Joker de Romero termina en la cárcel, el de Nicholson muerto, y el de Ledger en el Asilo Arkham. Tres destinos diferentes para un rol exquisito, del cual estos tres actores lo han elaborado cada uno según su estilo y convicción.

Alexandra

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker

2008-06-08T17:35:00.000-07:00

Tres actores tras un personaje. No pude contenerme y cedí a la tentación de ver la interpretación y construcción del personaje en cada uno de ellos. Tengo opiniones encontradas respecto de cada uno, los admiro como actores a los tres pero son tan diferentes... merecerían un capítulo cada uno. Lo que los une aquí fue su construcción de ese fenomenal personaje llamado The Joker. Mejor comienzo por la estructura, la esencia del personaje.

En la ficción, The Joker surgió entre los creativos de DC Comics allá por 1940, como el archienemigo de Batman. Se lo delineó como un ser siniestro, extremadamente peligroso pero al mismo tiempo un genio, una persona de elevada inteligencia, que tras una desgracia se une a las fuerzas del mal bajo una nueva apariencia, tomada del comodín de la baraja de póker: el Joker. Durante décadas este personaje nos fascinó. Se produjeron leves modificaciones en su estructura, pero no deja su esencia: es un psicópata bajo el disfraz de un burlón que hace trucos y bromas pesadas. En la idea original de la década del '40, el Joker tenía su firma personal: tras cada asesinato dejaba el comodín de la baraja sobre el cuerpo occiso. Pero... de dónde les vino la idea de este fastidioso, siniestro y terrible psicópata? De la novela "El hombre que ríe" de Víctor Hugo. Así fueron elaborando los hilos de su historia personal hasta llegar al personaje que vemos hoy. Están los que analizan psicológicamente su comportamiento: dicen que es un psicópata con tendencia al sadismo, con extravagante sentido del humor, que atormenta a inocentes, y mata por placer. Pero es extremadamente inteligente, hecho que se le vuelve en contra, pues sufre una crisis mental haciendo que desee destruir todo lo que lo rodea.

Como rasgo distintivo, tenemos la constante de su risa, su carcajada que resuena en las oquedades, provoca mucho más la angustia y la desazón más que un divertimento. Es la mueca del que ríe siniestramente, del que sabemos que con su fatal humor, nos conducirá irremediablemente a la muerte.

Según Alan Moore, de DC Comics, su historia personal se resume de esta manera: era un ingeniero de una planta de productos químicos, que deseaba ser actor cómico. Renuncia a su trabajo en busca de la fama, pero fracasa y la falta de dinero hace que planee un gran robo ingresando a la planta química con otros dos ladrones, pero es sorprendido, sus secuaces asesinados y él logra huir, con tanta mala suerte que cae en un tanque de sustancias químicas y es arrojado al exterior por un tubo de drenaje. Al salir milagrosamente con vida, descubre que se produjo en su cuerpo una reacción química que le destrozó la piel, especialmente la cara, el cabello, tendones, músculos y otras desgracias. Sufre una crisis mental y se vuelve literalmente loco. A partir de allí asume que es como el Joker del juego de barajas. En esta primera versión de su historia este oscuro ser no tiene nombre. En la versión de Tim Burton lo hace llamar Jack Napier, como una humorada para el actor que en la década del sesenta interpretó a Alfred, que se llamaba Alan Napier. No sabemos por que hizo esto Burton pero es otra más de sus excentricidades.

Hasta aquí, podemos decir que es todo lo que se puede decir de la historia del Joker. Pero qué es un Joker? El rol lo toman del personaje de la baraja de poker, que tiene en total 52 cartas repartidas en cuatro palos, dos de las cuales son comodines que muestran al Joker, estos naipes sustituyen a cualquiera de la baraja. Este juego de naipes arribó a Europa en 1370, posiblemente llevado por los que tuvieron contacto con los mamelucos de Egipto que jugaban un juego de barajas inspirado en uno de los turcos. Grandes figuras europeas mencionan este juego, como por ejemplo Petrarca en 1366 y Bocaccio en 1370, por lo que deducimos que ingresó desde Oriente donde el juego de naipes era corriente. Lo que se reformuló fueron los palos, es decir, las figuraciones en los naipes. Así tenemos que los comodines representan al "court jester". Jester o Joker es esencialmente un tonto que hace bromas tontas. Viste traje estampado en rombos, sombrero con tres picos que terminan en cascabeles (son tres porque simbolizan las dos orejas más la cola del asno). Lleva un cetro con una máscara de sí mismo, y cascabeles en la punta de sus zapatillas. En el Medioevo pensaban de estas personas que habían sido tocadas por un don de Dios para hacer reír pero que esto era a la vez su maldición.

Joker es una de las tantas formas de llamarlo: jongleur, jogleor, joculator, stultor, fou, fol, etc. El tema es que es alguien que tiene facultad para decir bromas, es alguien que puede decir tonterías sin ofender, puede bailar y cantar también. Desde Roma llegó la tradición de "jesters" o bromistas que eran llamados "scurrae", "mimi" o "histriones", pero no eran actores de profesión, cosa que sí sucede en el Medioevo. En esta época, un jester podía surgir de cualquier lado, desde un erudito no conforme con la normativa de una universidad hasta un monje, un juglar con excepcional don de verborragia, o un aprendiz de herrero que podía entretener a la gente con sus bromas ocurrentes. Una descripción de Rabelais ayuda a comprender cómo era un jester del Medioevo: era irreverente, libertino, pícaro, burlón, pero es un tonto, un tonto que critica al mundo. Podía ser juglador, confidente, profeta y consejero, todo al mismo tiempo. En su familia seguramente había todo un linaje de actores, músicos, acróbatas, burlones y locos. Los gobernantes tenían siempre un jester para que los entretenga. Cuando la institución del "court jester" desaparece en Europa (recordemos que no era una función sino una institución) aparecieron focos de resistencia a la misma puesto que durante generaciones, gente con este don había entretenido a monarcas, y reclamaban no quedar sin su trabajo. A duras penas sobrevivieron hasta el 1800 donde hay testimonios de estos profesionales en cortes europeas. Antes de culminar con esta cuestión remarco que la importancia del jester además de entretener era la de ser un crítico de la situación política y social de su época. Esto lo distingue del simple cómico o burlón, o del mismísimo payaso, que solo entretienen a la gente. Inclusive el jester podía llegar a ser confidente del monarca, advirtiéndole sobre posibles conspiraciones o ataques.

No era un renegado o un revolucionario, con sentido del humor le aconsejaba al rey acerca de los asuntos del momento haciendole ver la realidad desde un costado que a simple vista parecía ridículo pero escondía una verdad.

Hasta aquí, se delineó el origen del personaje de ficción y el sentido originario del personaje de la baraja europea de poker. Pero el tema es cómo un actor toma todos estos elementos para componer su personaje. Qué camino recorrió este jester del Medioevo hasta el personaje de MC Marvels? Obviamente lo hicieron tomando los elementos sobresalientes del mismo, pero no su imagen. Es decir: la verborragia, la inteligencia, la facultad de hacer bromas, la risa constante, pero le pusieron el lado siniestro para convertirlo en un villano: siniestro, oscuro, terrible, implacable, calculador, asesino por placer. En los tres actores que lo interpretaron encontramos estas constantes:

- la risa farsante, la carcajada morbosa, la mueca feroz

- trajes de colores chillones

- rostro y cabeza con alguna desfiguración

- asesinato y broma asociados

- utilización del naipe comodín para presentarse a sí mismos

Con las variantes de la construcción del personaje en cada uno de ellos, que desgranaremos a continuación.

Darth Maul - Estética del mal

2008-04-19T19:48:00.000-07:00

Vuelvo sobre el tema. He visto que el personaje despertó en la audiencia dos tendencias muy diferentes de empatía: por un lado los niños están fascinados por completo con este ser infernal, y por otro las mujeres, siempre propensas a sentirnos atraídas por la sensualidad de la malignidad. Y es que es un personaje sumamente rico, mucho más de lo que se cree. En el caso de los niños, el mensaje icónico de Maul fue subvertido: en vez de detestarlo por ser un ser maligno y falto de sentimientos, la contracara de los buenos jedi, le adjudicaron un sentimiento de ser justo, valiente, poderoso, y no necesariamente demoniaco. Las mujeres caen ante la seducción de imaginar un cuerpo completamente tatuado en rojo y negro, fantaseando con las líneas dibujadas en su cuerpo, en el erotismo del movimiento ondulante de su ropa negra, mezcla de estilos orientales y occidentales, casi llevándolo al fetichismo. Lo convirtieron en fetiche. Desde las botas que usa, hasta el amplio hakama que viste en las primeras escenas, pasando por la amplia capa que lo cubre permanentemente, las mujeres se erotizan internándose en cada pliegue de sus vestidos. Y no soy la excepción. Acaso un ser maligno no es más atractivo que uno buenito, dulce y casi patético? Repasemos un poco este tema con mirada femenina: cuando se estrenó la mítica Star Wars allá por 1978, cuántas seguidoras tuvo Luke Skywalker contra Darth Vader? Recuerdo que todas las miradas se posaban sobre la magnífica presencia de Vader, oscuro, poderoso, fuerte, inexpugnable, cubierto precisamente por una máscara. A su lado, Luke Skywalker quedaba como un Peter Pan de las galaxias, un niño rubio de ojos claros estilo principito que no despertaba ninguna pasión salvaje. Su ingenuidad y belleza casi andrógina no pudo contra Vader. Y luego vino la Trilogía. Y reaparecieron los jedis. Quisiera saber cuántas mujeres mueren de amor y deseo erótico por Obi Wan Kenobi o Qin Gong? Cómo pueden remontar éstos varones, la presencia fenomenal de Maul? No es que el bien siempre gana y los malos se llevan a las minas, es que el tema del bien y el mal se personifica en personajes que eróticamente hablando, tiran la balanza para el lado del maligno. Acaso somos perversas y deseamos un ser como Maul que al menos demuestra no sentir absolutamente nada salvo lealtad a su cofradía (Los Lores del Sith) y a su inexpugnabilidad? Es esa torre de marfil que nunca alcanzaremos. Si se le hubiera ocurrido a los libretistas poner a un Lord del Sith enamorado, se hubiera caído del pedestal inmediatamente. Cuanto más lejano, inalcanzable, poderoso, fuerte, frío, calculador, y a la vez terriblemente seductor, erotizante y perturbador, mejor para las mujeres. En las reiteradas convenciones de Star Wars donde la estrella invitada es Ray Park, los gritos de las mujeres ensordecen. Ya no les importa que es un actor, un artista marcial que interpretó a Maul. Ven en el actor a ese ser que pudo dar en la tecla de la fantasía de miles de mujeres. De hecho en una convención, hacen un truco interesante: el locutor anuncia con gran pompa a Darth Maul y éste aparece en escena en medio de aplausos cerrados y griterío femenino. Su presencia devastadora, sensual y arrebatadora, se deja sentir en todo el auditorio. Pero por detrás de bambalinas, sigilosamente, aparece Ray Park, vestido con un simple jean y remera, haciendo gestos hacia el disfrazado de Maul como diciendo: "Ese no soy yo". A pesar de que no era él, y se estaba mostrando como el actor que lo interpeló, las mujeres atónitas ante el truco siguieron en la tesitura: aplaudieron y vivaron a Ray sin aliento. Acá aparece el fenómeno del ser enmascarado (porque sostengo que maquillaje es máscara) que ante el desenmascaramiento no pierde poder. Caso contrario pasó con Vader. A nadie le gustó saber que actor había detrás de esa máscara de oxígeno, esa máscara tremenda, ostentosa, amenazante, inexpugnable. Todas querían ver a Vader y no al actor. Vaya fenómeno.

Ya dije en otra entrada que debido al fenómeno de la estética visual y el impacto cinematográfico (apoyado en el andamiaje de la historia de un personaje y el guión) Maul superó por varios cuerpos a Vader. Qué es lo que pasó? Realmente creo que en Maul se conjugaron varias cosas que lo completaron como personaje que a Vader le faltó. Vamos vamos a mí no me vengan con cuentos, mujeres. Piensan que George Lucas y equipo no se dieron cuenta de los detallecitos de la ropa y movimientos de Maul con un fin absolutamente delineado? Vuelvo a la vieja película de 1978... Al menos Han Solo ganaba mujeres por su simpatía y desfachatez, pero Luke Skywalker era una mala remake de principito valiente. Y éstos contra Vader tampoco pudieron. Volviendo ahora a las convenciones donde aparece Ray Park, éste le agrega un plus: es un ser angelado, con mucha llegada al público, es histriónico, comunicativo, simpático, abierto a escuchar a los fans, carismático y encima super talentoso. Aquí se mezclan aguas. Las mujeres nos mareamos ante la diatriba: adoramos a Ray Park o a Maul o a ambos? Creo que por un misterio de la naturaleza y del séptimo arte, los amamos a ambos.

Si tienen opinión contraria me gustaría que me escriban comentarios.

Darth Maul y Darth Vader - La conversión

2008-04-10T17:36:00.000-07:00

Es Vader peor que Maul? Este problema para los fans de Star Wars no tiene solución. Los dos no tienen el mismo nivel para pesar, Vader aparece en toda la saga, Maul solo en un episodio y muy poco. Pero la fascinación que provocó Maul no es un fenómeno para minimizar, "algo" pasó para que Maul tenga una legión de seguidores. Creo que es el impacto visual y la riqueza con la que dotó al personaje lo que lo hace maravilloso.

Si alguien provoca espanto, escalofríos, o esa fascinación por lo maligno y oscuro, es Vader. Cuando se convierte en Vader, ese despojo humano que fue en un momento Anakin Skywalker, ahora sin un brazo, sin sus dos piernas, con el 80% de su cuerpo quemado, vuelve a la vida gracias a la tecnología, y precisamente su máscara con el aparato de oxígeno que emite ese sonido constante es lo que provoca más espanto. Tal vez la falta de cambios de vestuario y el hecho de estar atado a su traje y máscara protectoras, hizo que Vader tenga menos riqueza visual que Maul. Este por el contrario, fue un personaje pensado para deleitear al espectador con sus movimientos y su apariencia. Hay tres cambios de vestuario, acá solamente mostraré uno que lamentablemente usa muy poco tiempo en la película, nunca me expliqué por que no lo mostraron más con esta belleza.

Ambos tienen su propia historia personal dentro de la saga. Vader: La clave está en que es un ser que se transformó en un ser maligno porque tenía razones: la muerte de su madre, la de su amada Padme, la inadaptación a la doctrina de los jedi, lo que hizo estragos en su carácter, y eligió el mal. Es un ser lleno de ira, pero provocada por situaciones afectivas.

Maul tiene una historia triste, pocos la mencionan. Es un ser nacido en un planeta llamado Iridonia, cuyos habitantes pertenecen a la especie Zabrak, que como detalle tienen cuernos en su cabeza. Al momento de su aparición en la saga, se deja claro que esta especie se habría extinguido hacía ya mil años y unos pocos quedaban de ella. Darth Sidious en una de sus troperías, llegó a Iridonia y vio a este niño zabrak, supuestamente (versiones sin confirmar pero versiones al fin) llamado Khameir Sarin, que poseía un inusual potencial de la fuerza, por lo tanto no dudó en raptarlo y lo tuvo en cautiverio, desde los cuatro años. Lo educó en el arte de la lucha de los jedi, y sobre todo en la resistencia ante todo tipo de desgracias, para hacerlo una máquina bélica. Lo mantuvo encerrado durante años, procediendo a tatuarle todo el cuerpo con antiguos símbolos Sith en rojo y negro, que le provocó sufrimiento, pero que se conformó porque había elegido el camino que le impuso su maestro. Una vez que Sidious consideró que su aprendíz estaba listo para ser utilizado, le encomienda misiones menores (que no se ven en la saga) y así este nuevo Lord el Sith, bautizado Maul, deviene en ese feroz ser que es casi infalible.

"Fear. Fear attracts the fearful… the strong… the weak… the innocent… the corrupt. Fear. Fear is my ally."
―Darth Maul

Maul fue un maestro de las disciplinas de lucha Juyo, Jar'Kai y Teräs Käsi y eligió usar un sable de luz de doble hoja. Sidious envió a Maul a varias misiones de asesinato político y subterfugio, pero Maul ansiaba encontrar y matar a los jedi.

Adoctrinado en el Lado oscuro de la Fuerza solo conoció la ira y el odio. Maul mataba seres vivos sin piedad, por orden de su maestro. Durante su entrenamiento, cualquier demostración de miedo era castigada severamente por Sidious, y cualquier petición misericordia recompensada con crueldad. Fue torturado y maltratado física y psicológicamente, al más puro estilo Sith. Para cuando Maul ya era adolescente, su amo lo había forjado como un arma de odio puro, una fanática herramienta de matar. Pese a todo ello, Sidious consiguió, aprovechándose de su niñez traumática, que Maul desarrollara sentimientos paternales hacia su maestro y nunca contemplo matarlo, hasta su prueba final.

Maul fue enviado en incontables misiones sangrientas para su maestro, asesinatos políticos, jefes del crimen, comerciantes y señores de la guerra. Maul concibió su aspecto para infundir miedo en el corazón de sus enemigos e incluso de sus aliados. A pesar de sus victorias, Maul deseaba enfrentarse a un Jedi.

Qué lazo puede unir a Vader con Maul? Que fueron convertidos en lo que vemos, uno por elección y otro por sometimiento. Al fin y al cabo, dos esclavos de Lord Sidious.

El nacimiento de un personaje:

George Lucas definió al personaje de Maul como: "La peor pesadilla para cualquiera".

El personaje fue creado por Ian Mc Caig luego de contar a sus amigos que había tenido una pesadilla y había visto un ser que lo explicó a través de dibujos y bosquejos. Le comunicó esta noticia a George Lucas para inspirarle un nuevo personaje pero al principio no obtuvo respuesta positiva. Mc Caig no se rindió y continuó dibujando a este ser infernal, este ser oscuro que le venía a la mente, pensando su figura, su comportamiento, su vestimenta, todo. En el equipo de los creativos estaba Nick Dudman quien le sugirió que le coloque cuernos en la cabeza y le cambió el traje, en realidad dos, que son los que lleva en la saga. Al final le llamó la atención a Lucas y éste decidió ponerlo dentro de la saga.

Darth Maul fue interpretado por el experto en artes marciales Ray Park y su voz era del actor británico Peter Serafinowicz. El llamativo diseño visual de Maul, además de su limitada participación en la película, ha causado que muchos aficionados quieran saber más sobre él.

Bravo por la creación de este personaje y bravo por Ray Park que lo consumó estupendamente.

Alexandra

DARTH MAUL - Creaciones supremas de maquillaje

2008-03-03T19:46:00.001-08:00

Este es Ray Park, el actor que interpretó a Darth Maul.

Sesiones de makeup a cargo de Paul Engelen. Utilizó una base llamada Mehron, luego le suma los diseños en rojo y negro utilizando Acquacolor.

Una vez terminado el maquillaje, le pega los cuernos usando Derma Wax. Las lentes de contacto fueron realizadas especialmente por Richard Glass de Londres.

Nadie lo duda, la creación del personaje de Darth Maul es uno de los logros más significantes de la historia del cine fantástico y de ciencia ficción, basado en este caso en la composición del personaje que centra la atención en la caracterización con un maquillaje excelso. El maquillaje artístico es una obra de arte, requiere de expertos talentosos y muchísima paciencia.

Ray Park, el actor que interpreta el personaje, es un artista marcial que fue convocado por George Lucas para que coreografía las contiendas de Episodio I La Amenaza Fantasma. El director y los productores quedaron sorprendidos al ver que Park coincidía con lo que habían pensado para el rol de Maul. Y en vez de contratarlo para que coreografíe, lo metieron en el rol, con un detalle: debido a que Park no es actor y su pronunciación es mala tuvieron que doblarlo, pero eso no preocupó demasiado puesto que el personaje en sí habla muy poco.

Como construcción del personaje es exquisito dentro de este tipo de género fílmico. Se puede decir que es único e irrepetible. Dentro de la galería de personajes de Star Wars, y dentro de la categoría de los denominados "Lords de Sith", Maul es la perfección llegando incluso por momentos a opacar a Darth Vader. Es que lograron mezclar maldad, exotismo, oscuridad y charme. Uno no puede dejar de mirarlo. En cuanto a Ray Park no podemos pedirle más pues es excelente en lo que hace, su refinamiento en las artes marciales chinas es notable, tiene un sello personal, aunque manifiesta que el estilo de Kung Fu que más desarrolló es el llamado "Butterfly".

Tiene todo su cuerpo tatuado en negro y rojo, con antiguos diseños Sith. Posee diez cuernos distribuidos en su cabeza, ojos serpentinos y filosos dientes que le dan un aspecto aterrador.
Porque él es uno de los pocos Sith que no ha pasado por el lado Jedi, por lo tanto es un Sith puro (razón por la que le pusieron el nombre de Maul, en honor al Sith puro Maul Ororchi).

Su vestimenta tiene "charme": en la película hace tres cambios de vestuario. Parecen todos iguales pero no lo son. Usados en tres escenas clave: el más conocido usado durante el llamado "Duel of Fates" cuando se enfrenta a Qui Gon y Obi Wan Kenobi, consta de una inmensa capa de algodón prelavado, de color negro, que lo cubre de pies a cabeza, debajo lleva una casaca con pliegues en el pecho, ajustada por un ancho cinturón, y pantalones tipo "afgnanos" ajustados a la altura de las botas. El otro traje es usado en la escena denominada "Balcony Whispers" cuando Sidious le da las instrucciones de perseguir a la reina Amidala. Se aprecia una capa interna de algodón más finito, debajo de la gran capa.

El otro traje es usado en la corta escena denominada "Desert Duel" cuando se enfrenta a Qui Gon en el desierto de Tattooine. Es una creación maravillosa y da pena que no la hayan mostrado más tiempo en pantalla. Utiliza una amplia capa de doble vuelo de algodón twill completamente plisada, de color azul profundo, con gran vuelo. La capucha es amplia y se abulta en la parte posterior. De los hombros de la capa parten dos mangas que se cortan a la altura de los codos para continuar con extensiones de tela hasta más allá de sus muñecas, dejando ver la camisa que lleva debajo, con mangas abultadas y ajustadas a la altura de los guantes. Viste un pantalón que recuerda a los usados por los guerreros medievales japoneses. Las botas fueron diseñadas por Frank Thomas, modelo llamado Apollo Boot Gore 102.

Aquí están los bocetos originales del diseño de vestuario.

Alexandra

Tita Merello, la morocha argentina

2009-01-05T14:56:00.000-08:00

Fue en esta última Navidad que vi un especial televisivo dedicado a la "morocha argentina", la querida Tita Merello, a seis años de su desaparición física, cuando recordé su carrera y sus logros, emocionándome profundamente. Quién otra representa a la mujer argentina, esa rara mezcla de "arrabalera", sensual, trabajadora, "tigra" como ella? Hay tanto dicho sobre su vida que no creo aportar nada nuevo en este espacio. Solamente que no podía dejarla ir, a esta Ana Laura Merello nacida en Buenos Aires en 1904, la que participó en 45 filmes entre 1933 y 1985, la que fue nombrada ciudadana ilustre, que tiene su esquina, su placa de honor, tangos y poemas escritos en su memoria, besos en la frente que se acumulan en todo el mundo, como indiscutida embajadora de la cultura tanguera rioplatense.

Incansable, impactante actriz, solvente cancionista, escritora de tangos y poemas....por sobre todo transgresora. Aquella que recomendaba permanentemente a las mujeres a hacerse exámenes ginecológicos periódicamente para detectar a tiempo enfermedades fatales.... La que pegaba soberbios cachetazos, la que ponía a los hombres en su lugar con una verborragia inigualable, la que defendía la "universidad de la calle", la que sufrió miedos pero que no la paralizaron, la que estuvo en la escena nacional con una extraña calificación de "vedette rea", que compartió cartel con las primeras figuras del cine nacional, en fin, las mil facetas de Tita.

Fotografía de Annemarie Heinrich

A los 20 años entró al mundo del teatro, en coros de revista. Y de allí pasó a la comedia y al drama, con obras como “La mala ley”, de Manuel Linares Rivas, “La propia estimación”, de Jacinto Benavente, “Santa María del Buen Aires”, de Enrique Larreta y “La tigra”, de Florencio Sánchez.
A fines de los años 30, comenzó a compartir los escenarios y las cámaras con figuras como Hugo del Carril, Tito Lusiardo, Pepe Arias, Angel Magaña y Santiago Arrieta.
En 1976, se incorporó al elenco de teatro Astros, en la revista que encabezaba Adolfo Stray y Thelma Tixou. Ese mismo verano participó de la temporada marplatense en un show que contaba con figuras como Mariano Mores, Los Chalchaleros y Héctor Gagliardi. Actuó en varias temporadas en Mar del Plata junto con Hugo del Carril y Enrique Dumas.

Prohibida durante la Dictadura, Tita temporariamente se fue del país y realizó películas en Chile y México. De amores mejor no hablemos, sufrió mucho, pero tiene todo el cariño de sus admiradores.

Filmografía:
1933 - ¡Tango!, de Luis José Moglia Barth
1934 - Idolos de la Radio, de Eduardo Morera.

Noches de Buenos Aires, de Manuel Romero
1936 - Así es el tango, de Eduardo Morera
1937 - La Fuga, de Luis Saslavsky
1942 - Ceniza al viento, de Luis Saslavsky.

Pal´otro lao (Chile), de José Bohr
1946 - Cinco rostros de mujer (México), de Gilberto Martínez Solares
1948 - Don Juan Tenorio, de Luis César Amadori
1949 - La historia del tango, de Manuel Romero.

Morir en su ley, de Manuel Romero.

Filomena Marturano, de Luis Mottura.

Arrabalera, de Tulio Demicheli
1950 - Los isleros, de Lucas Demare.

Vivir un instante, de Julio Demicheli
1951 - Pasó en mi barrio, de mario Soffici.

Deshonra, de Daniel Tinayre
1953 - Guacho, de Lucas Demare
1954 - Mercado de Abasto, de Lucas Demare.

Para vestir santos, de Leopoldo Torre Nilsson
1955 - El amor nunca muere, de Luis César Amadori.

La morocha, de Ralph Pappier
1960 - Amorina, de Hugo del Carril
1963 - Los Evadidos, de Enrique Carreras
1964 - Los Hipócritas, de Enrique Carreras.

Correo Sentimental, de Enrique Carreras
1965 - Ritmo Nuevo y Vieja Ola, de Enrique Carreras

La industria del matrimonio
1966 - El Andador, de Enrique Carreras.

Idolos de entrecasa, de Enrique Carreras
1969 - Viva la vida, de Enrique Carreras
1974 - La madre María, de Lucas Demare
1976 - El canto cuenta su historia, de Fernando Ayala y Héctor Olivera
1980 - Los Miedos, de Alejandro Doria

1985 - Los barra bravas

En suma, Tita, de Buenos Aires, presente en nuestros corazones.

Alexandra